THE STREETS

La música de baile y el hip hop han unido fuerzas para plantar cara a la tiranía del pop-rock y tomar el pulso de la nueva realidad urbana. Mike Skinner, uno de tantos jóvenes que mata el fin de semana de club en club, es hoy el nombre clave para entender cómo el hip hop británico, a través de esa providencial mutación en que se ha erigido el UK Garage, que ha dejado de ser el hermano tonto del estadounidense.
“Original pirate material” (2002) fue el debut de The Streets, y recoge el sonido de las calles de Inglaterra, el diario de un clubber que hizo carrera articulando sus reflexiones cotidianas.
Y es que Mike Skinner se ha convertido por méritos propios en la cara más popular del UK Garage, y “Original pirate material” ofrece más canciones que titulares y no ha tenido que escorar su sonido hacia el R & B norteamericano. Sólo se ha limitado a explotar con cuatro singles y múltiples conciertos el debut más excitante que ha salido de Inglaterra en los últimos ocho años. Este disco combina análisis agudos y escenas articuladas con la frescura y la agilidad de un cómic. Reflexiones y viñetas en un debut que equilibra sentido común y sentido del humor, crónica social y puro entretenimiento. Así, en sus canciones en lugar de fanfarronear, delirar o repetir lo que han dicho otros raperos, prefiere observar, ordenando sus ideas y reflexionar sobre su vida y su entorno. “Original pirate material” está pensado con la cabeza y no con la entrepierna, el bíceps o el músculo del ego. En cierto modo, lo más importante que ha aportado The Streets al UK Garage es, simplemente, sentido común. Otro elemento que destaca es la omnipresencia de la atmósfera club. El resultado, canciones como “Has it come to this?”, “Same old thing”, “Let’s push things forward” o “Weak become heroes”.
Ya en el 2004 The Streets publican su segundo disco “A grand don’t come for free” que dista mucho del nivel mostrado en su debut y solo destaca el tema homónimo del disco. Ahora sólo cabe esperar que tan sólo haya sido un tropiezo y que continúe confirmando las enormes expectativas apuntadas con su primer álbum.

PUBLICACIONES

En este apartado vamos a destacar algunas de las publicaciones más reseñables en lo referente a la música electrónica en el panorama nacional. Así, de entre las revistas que se publican en nuestro país la más recomendable es Dancedelux (publicación anual) que recoge lo más destacado del año en cuanto a la música electrónica. Otra revista recomendable es la Dancedelux, que si bien no se dedica exclusivamente a la música electrónica si que cubre la actualidad, los lanzamientos y los conciertos de algunos de los artistas más destacados del panorama electrónico.
Lo mismo sucede con la publicación gratuita MondoSonoro. Si bien, para obtener una cultura y un conocimiento de la historia de la música electrónica es necesario remitirse a libros como “Loops.Una historia de la música electrónica” de la Ed.Grijalbo, 2002 y coordinado por Javier Blánquez y Omar Morera (habituales colaboradores de algunas de las revistas anteriormente señaladas), que constituye una verdadera Biblia de la música electrónica y que repasa su historia desde sus inicios hasta la actualidad sumergiéndose en los diversos géneros musicales de cada momento, los principales artistas, sus discos, las raves, los mejores clubs… en fin una obra muy recomendable para cualquier aficionado a la música electrónica.

PREFUSE 73 - "One world extinguisher" (2003)

“One world extinguisher” (WARP, 2003) nos ofrece la particular visión que Scott Herren aporta al hip hop (mezclando jazz, glitches, post-rock, ritmos rotos, collages sampledélicos y manipulación de voces) es de las más frescas en el interesante underground norteamericano. Y es que estaba claro que si tenía que haber un encuentro entre hip hop e IDM, éste tenía que progesar más allá de los grupos de sellos como Chocolate Industries o del “Vocal studies+uprock narratives” (2001) del propio Prefuse 73; pieza central de un género que se expande más rápido que la gripe.
Por eso este “One world extinguisher”, diario íntimo de b-boy hipersensible, futurista y abierto de miras (con mc’s pero también con apuntes Folk) ya ha alcanzado el nivel de obra maestra: por empujar su estilo a un nivel de perfección al que nadie está en condiciones de llegar todavía. Y es que, en el cinemático dscurrir de sus hábiles y elegantes composiciones abstractas, enquista codas sonoras que sumergen al oyente en un laberinto sonoro en continúa metamórfosis.

NINJA TUNE

En contraste con la coolness de Mo'Wax, el sello de Jonathan More y Matt Black desarrolló una visión más recreativa, cálida y figurativa de la abstracción hip hop; inspirada en la noción de la creación como juego. Y como los propios Coldcut hicieran desde “Say kids (What time is it?)”, su ahijados intentaron importar a la actualidad el hip hop de la vieja escuela, aliñando el revival con dosis de funk, jazz, easy listening y bandas sonoras. Ninja Tune se convirtió en el sello de cabecera de los djs más cercanos a la mixología, gracias a la serie “Jazz brakes” que en 1990 fueron su revelación al mundo bajo el alias DJ Food; a la que seguiría otra de igual calado “Breakbeats and grooves” bajo el alias de dj Toolz.
Más estimulante todavía fue Ninja Tune a partir del noventa y cinco, cuando Coldcut se tomaron un tiempo sabático y dieron paso a pequeños clásicos como Funki Porcini, The Herbaliser o Dj Food (Coldcut más “PC”y “Strictly Kev”).
En cuanto a The Herbaliser, Ollie Teeba y Jake Wherry, se probaron como hábiles reinventores de la más pura tradición hip hop. A su segundo álbum, “Blow your headphones” algunos le achacan incluso demasiado apego a la vieja escuela . A este le seguiría “Very mercenary” que recoge las tensiones de la música de thriller que centran su discurso en un disco con hechuras de clásico y que constituye un pasaje de apasionante negrura. Posteriormente, han continuado intentando depurar su ténica en
“Wicked this way comes”.
DJ Food supusó una contribución igual de narcótica que en el caso de Herbaliser. Así, en “A recipe for disaster”(1995) conformaron un cóctel hipnótico de trip hop humeante, trip hop ambiental y trip hop acelerado que apuntaba hacía el drum ‘n’ bass y el espíritu de James Brown. Su visión de la ciencia del beat tendría luego dos brillantes manifestaciones en el ambicioso “Kaleidoscope” y en el mix-cd “Now, listen” donde mezclan vieja con nueva escuela, mezclando lo mejor de cada casa en una compulsiva sesión para el recuerdo.
Pero esta síntesis no es nada ante el recopilatorio “Xen Cuts”, colección conmemorativa del décimo aniversario del sello, finalmente abierto al beat en todas sus formas, al rap arty de USA (Mike Ladd, Blackalicious), al de la Gran Bretaña (Roots Manuva), el mejor turntablism (Kid koala, Coldcut) o el techno “rarito”(Neotropic), recibiendo con entusiasmo a todo buen espadachín del ritmo.

FABRIC - CLUB MIX

Fabric es uno de esos escasos ejemplos de club con ánimo didáctico. Ganar dinero es lícito, pero lo es más si además se ofrecen atractivos adicionales. Y Fabric lo hace editando su magnífica colección de discos; y sin embargo existen pocos clubs que hagan lo mismo y menos que tengan su propia discográfica. El mercado está saturado por DJ sets, algunos tan notables como DJ Kicks o Back to mine, pero casi ninguno está editado directamente por los propios club. Si hubiera que rastrear en los orígenes de la relación entre clubs y discos de DJ, habría que situarse en 1993 cuando Ministry of Sound publicó su “The sessions 1” al que luego seguirían otros volúmenes de Paul Oakenfold, Masters at Work o David Morales. Luego saldrían los mix-cds de clubs como Renaissance o Cream. En la actualidad además de Fabric, algunos ejemplos destacables de mix-cds editados por clubs son The End (End recordings), Movement, WMF club o Florida 135 (en España).
Y es que la series de mix-cds editadas por Fabric plantean de forma imaginativa una nueva forma de disfrutar de la música de baile, y son junto a “DJ kicks” (de K7) y “Solid steel” (de Ninja Tune) las mejores que se pueden encontrar en el mercado de los mix-cd. En ninguna de las dos series Fabric y Fabriclive (que corresponden respectivamente al contenido de las noches de los sabados más tech-house; y los viernes, más groovies) han repetido hasta ahora ninguno de los dj’s seleccionados.
Así, de entre la serie Fabric cabe destacar las compilaciones de Craig Richards (marcadamente ecléctica y elegante), de Terry Francis (que deja ver porque es uno de los grandes del tech-house), Radioactive Man (grande, muy grande su sesión a base de electro o un skool brekz) o la más reciente de Swayzak. Otros nombres que han firmado sesiones para esta serie son: Jon Marsh, Tony Humphries, Pure Science, Hipp-e & Halo o Slam.
En cuanto a la serie Fabriclive cabe destacar los volúmenes firmados por James Lavelle, Ali B, DJ Hype, Plumps DJs, Fabio, Howie B o el del malogrado John Peel. Casi nada para una serie de mix-cds que apenas cuenta con cuatro años de vida pero que se ha convertido al igual que Fabric en una de las referencias imprescindibles en el marco de la electrónica contemporánea.Más información y venta de discos en la web oficial www.fabriclondon.com

FABRIC - CLUB DE CLUBS

Fabric
Tras apenas cinco años desde su apertura (el pasado mes de Octubre celebró su quinto aniversario), y Fabric ya se ha convertido en el auténtico alma de la cultura de clubs londinense. Por supuesto en Londres hay clubs más trendies, pero tal vez ninguno de ellos sea capaz de capturar el espíritu de Londres como lo hace Fabric (ecléctico, mestizo e inquieto). Sus noches de los viernes (Fabriclive) y los sabados (Fabric) atraen a un público heterogéneo y diverso que ha conseguido hacer de Fabric un auténtico club de clubs. Además sus prestigiosas series recopilatorias se cuentan ya entre los grandes momentos dorados que nos ha deparado la cultura del mix-cd.
El que fue creado en 1999 (en un antiguo almacén de carne) por Keith Reilly y está situado muy cerca del Barbican Centre, junto al mercado de Smithfield. El local cuenta con tres salas (cada con una temática musical diferente) y cuenta con aforo total de 1500 personas.
En cuanto a su política de programación, como club el Fabric sólo promueve las noches de los viernes y los sabados (las entradas tiene un precio de unas 15 libras aprox.), pero el local también se abre los domingos con l club DTPM, dedicado al house o al tech-house de inspiración ibicenca. No cabe duda de que Fabric no es un club como otro cualquiera, y su deseo de ofrecer cultura es sincero; y desde luego no juegan en la misma liga que Ministry of Sound o Gatecrasher. Y es que en el Reino Unido parece que los dj’s formaran parte de un equipo de fútbol, fichando por un club u otro. Es evidente que existe una fidelidad absoluta de los dj’s , y así, los residentes del Fabric siguen siendo los mismos que tenía al principio: Ali B, James Lavelle, Terry Francis y Craig Richards. Y éstos junto a otras propuestas siempre novedosas y de gran nivel posibilitan la existencia de un público fiel y joven. Se trata de un público culto y ávido por descubrir nuevos sabores en la dance music, que no tiene inconveniente en escuchar también hip hop, downtempo o electro en la misma noche.
Y es que el Fabric es a día de hoy uno de los grandes santuarios de la música electrónica a nivel mundial, al que hay que rendir una obligatoria visita si se quiere alardear de ser un amante de la buena música electrónica.

EL AMBIENT DUB

El dub nebuloso no es solo patrimonio del illbient, ya que, incluso antes del éxito comercial (y entre la crítica especializada ) del “Songs for a dead dreamer”(1996) de Dj Spooky; en Europa ya se hablaba del ambient dub, que tan bien sería desarrollado por Andrew Weatherall (productor de grupos como Primal Scream o Saint Ettiene), quien junto a Gary Burns y Jagz Kooner dio forma al grupo The Sabres of Paradise (una vía de escape para fundir sus muchas influencias en un discurso propio).
“Sabresonic” en 1993 fue su debut en donde proponían densas capas ambientales y potentes bajos que proyectaban el dub a un futuro perfecto. Luego vendría “Haunted dancehall” (1994), tras el cual The Sabres of Paradise se separarían; y Weatherall formaría junto al ingeniero de sonido Keith Tenniswood, Two Lone Swordsmen que en el 2000 publicarían “Tiny Reminders” (WARP) y que supera a cualquier trabajo anterior de Weatherall (por su conjunción de electro, breaks, clicks, pop…) y que constituye una obra verdaderamente imprescindible.Podéis obtener más información sobre estos artistas en www.thedjlist.com

2 MANY DJ'S - "As heard on radio soulwax pt.2" (2002)

De los seis volúmenes grabados por los hermanos Dewaele, solo esta parte del bootleg de 2 Many Dj's vio la luz (para el resto intentar probar suerte en Internet, merece la pena). Y la raíz de los problemas para editar esta serie de bootlegs hay que buscarla en las innumerables querellas por los derechos de licencia y los elevadísimos costes de producción (tuvieron que pagar a Kylie Minogue, Destiny’s Chile, Garbage…..y un largo etcétera). Si bien, es cierto que esta experiencia ha marcado un hito en el mercado musical, ya que nunca antes nadie se había propuesto editar una sesión basada en los “mash ups”.
Como obra metamusical es un prodigio (la cultura pop y la dance unidas a la perfección), y como fiesta es la mejor que te puedes montar con tu equipo.
Y es que este disco de los Dewaele (que con su vertiente de dj’s tratar de financiar la carrera de su grupo Soulwax) constituye una celebración de la música popular donde se rinde culto a su historia y su presente prescindiendo de etiquetas, haciendo guiños humorísticos, reivindicando la horterada, ridiculizando prejuicios : se disfruta, vaya. El tratamiento de choque de los belgas destapa un espíritu hooligan y buen mal gusto muy, pero que muy notable.

DJ SPOOKY

En su más reciente edición “Optometry” (Thirsty Ear, 2002) desarrolla un profundo ejercicio de análisis en el que quiso llegar a la raíz del problema que le atormenta: ¿hay futuro para el jazz o va en camino de ser música muerta?; y constituye el barrido electrónico más inteligente sobre el jazz electrónico en años.
“Optometry” es lo más cercano a un masaje cardíaco que el arte de Miles Davis haya recibido en mucho tiempo. Aliado con el pianista de free-jazz Matthew Shipp y su banda, Spooky usa todos sus conocimientos en illbient, electroacústica y hip hop para integrarlos en un discurso que podría etiquetarse como nu bop o jazztrónica.
Posteriormente saldría a la venta “Dubtometry” (2003, Thirsty Ear) que es un disco de remezclas claramente dub producidas por el propio Spooky, y a cargo de Mad Professor, J-Live y Lee Scratch Perry, entre otros, ofreciendo una interesantísima y distinta visión de ese gran disco que es “Optometry”.

STEREO MC'S - LA PRIMERA ETAPA

Una de las bandas más exitosas de hip hop que ha surgido de Inglaterra es Stereo Mc's, formados en Londres en 1985, cuando el rapero Rob B. (Rob Birch es su nombre real) y el productor y DJ “The Head” (Nick Hallam) crearon su propio sello discográfico llamado Gee Street para poder distribuir su propia música. Gee Street firmó rápidamente un acuerdo con el sello Broadway, y fue así como los Stereo Mc's empezaron alanzar una serie de sencillos hasta que por fin su álbum “33-45-78” vio la luz en 1989.
Tras la salida de uno de los componentes originales de la banda (Cesare), el grupo quedó conformado por Rob B, The Head, el bateria Owen If y Cath Coffey en la voz .
Stereo Mc's lanzó “Elevate my mind” (1990), que fue el primer sencillo británico de hip hop en entrar en las listas de éxitos estadounidenses.
Después de lanzar su álbum “Supernatural” (uno de sus mejores discos) salieron de gira con The Happy Mondays y EMF para posteriormente grabar su exitoso álbum “Connected” (1992) grabado con instrumentos en vivo y sin hacer uso de samplers. Este disco contiene alguno de los grandes clásicos del grupo como “Step it up”, “Creation”, “Ground level” o “Connected”.

MASSIVE ATTACK - PROTECTION (1994)

Más suave, atmosférico y melódico que "Blue Lines", Protection fue producido junto a su amigo y antiguo excompañero en The Wild Bunch, Nellee Hooper. Fue un disco entre frío y sensitivo (en las voces invitadas como Tracey Horn de Everything but the Girl o Nicolette; además de los ya clásicos colaboradores como Horace Andy en la versión de “Light my fire” de The Doors, en directo). Si bien, la crítica no fue muy receptiva con la nueva sutileza del grupo, se trata de un disco que incluye algunos grandes temas como “Three” o “Spying Glass” (con Horace Andy a la voz).

MASSIVE ATTACK - NO PROTECTION (1995)

Este disco está conformado por una serie de remezclas dub de temas incluidos en Protection a cargo de Mad Professor ( productor jamaicano, que se mudó a Londres en 1979, donde fundó su primer estudio llamado Ariwa. En 1980 apareció su primer álbum, Dub Me Crazy Pt.1 que fue el primer disco de dub hecho fuera de Jamaica con éxito, y el primero de una extensa serie de doce volúmenes. Posteriormente, colaboraría con gente como el multiinstrumentista británico Jah Shaka). El disco se compone de las ya mencionadas remezclas dub a cargo de Mad Professor, en tanto que, la producción corrió a cargo de Nellee Hooper y Massive Attack. El disco nos ofrece una nueva y en algunos casos mejorada versión de temas ya conocidos del grupo, destacando especialmente temas como “Radiation ruling the nation” (basada en “Protection”) o “Trinity dub” (realizada a partir de “Three”). Este álbum, es probablemente el que ofrece un sonido más alejado del trip hop de todos los publicados por los de Bristol, pero no por ello deja de ser de escucha obligada.

MASSIVE ATTACK - MEZZANINE (1998)

Se trata del disco que suscitó una mayor discordía entre crítica yseguidores del grupo al ofrecer un repertorio espeso, denso y saturado de guitarras; que por otra parte también los acerco en gran medida al gran público. Bajo mi punto de vista se trata del mejor disco de Massive Attack (hasta el día de hoy), con un sonido inquietante y que por momentos genera cierto desasosiego; pero a la vez ofrecen un sonido cálido, envolvente y con unas letras muy destacables. Así, el disco es una sucesión de hits como “Angel”, “Teardrop”, “Risingson” o “Inertia creeps”. Para mi, una de las obras clave en el mundo de la electrónica en los últimos 10 años.

MASSIVE ATTACK - 100th WINDOW

Tras Mezzanine se produjo el abandonó del grupo de Mushroom y Daddy G, por lo que Massive Attack quedaba reducido a la persona de Robert Del Naja (3D) que en conjunción con el productor Neil Davidge escribió y produjo este disco; que además cuenta como invitados con Sinead O’Connor (enorme en “Special cases”) y Horace Andy. Se trata de un disco que prosigue la línea de sonido iniciada con Mezzanine basada en sonido oscuro, lúgubre, pero a la vez cálido. Se trata de un disco en el que encontramos un gran número de referencias a la marihuana, sustancia que según reconocía el propio Daddy G había contribuido a hermanar a la juventud de Bristol. Este disco fue definido por 3D como un “gran disconarcótico” cuyas voces espectrales e hipnóticas contribuyen en su opinión a “adormecer el sistema nervioso”. Así, 3D invoca al dios rasta en canciones como “A prayer for england” -“Jah, perdónanos por olvidar, y ayúdanos. Necesitamos amarte más”, o pide “más narcosis dulce. Colocado te encontraré” en “Antistar”.
El disco tuvo una traslación al directo con un espectacular montaje con grandes pantallas que mostraban datos sobre empresas, la delincuencia, el hambre el mundo, el armamento militar o sobre la guerra de Irak (como pudimos comprobar los asistentes al grandioso concierto que Massive Attack dieron el verano pasado en Santiago con su formación de gala: 3D, Horace Andy, Shara Nelson, Daddy G….).
También, conviene resaltar su más reciente publicación, la banda sonora de la película “Danny the dog”.
Ahora, sólo queda esperar que el grupo se reúna de nuevo al completo y continúen ofreciéndonos discos de tan alto nivel como lo han hecho hasta.

MASSIVE ATTACK: LOS ORÍGENES (BLUE LINES)

La explosión del sonido Bristol llegó, con la desintegración de Wild Bunch. El equipo se separó en 1987, dando pie a la decisión de Mushroom, 3D y Daddy G de formar un nuevo proyecto, Massive Attack. La colisión entre reggae y hip hop sirvió al grupo como base rítmica para explorar las conexiones entre blancos y negros, violencia y tristeza, vida real e imaginaria. Y con la perspectiva del tiempo , es obligado apreciar "Blue Lines" (1991) como una obra maestra; con sus letras poéticas y melodías gloriosas en un paisaje de hip hop lacónico, jazz y soul orquestales, hirientes y angustia exhalada. La parte vocal fue encomendada a Horace Andy (leyenda de la música jamaicana, ver su magnífico recopilatorio Skylarking para el sello de Bristol, Melankolic), Tricky (que posteriormente forjaría su propia leyenda con sus discos en solitario) y Shara Nelson (que con su voz profunda inundaba, los que a modo de ver son los mejores cortes del disco “Unfinished Sympathy”, “Safe from Harm” y “Daydreaming” ).

PORTISHEAD - LOS ORÍGENES

"No tengo a nadie a mi lado,
y de verdad que no está bien,
y de verdad que no está bien”

Portishead, “Roads”

Portishead(cuyo nombre procede del de la pequeña localidad inglesa del mismo nombre, próxima a Bristol, y donde nació Geoff Barrow) , es sin duda, otro de los grandes mitos salildos de Bristol; el proyecto liderado por Geoff Barrow y Beth Gibbons conjugó trip hop con pop clásico a través de scores y jazz turbulento para explorar las posibilidades emocionales de la electrónica. Directo y turbio, el sonido de Portishead posee un vigor, una calidez que lo hacen parecer de otra era.
Geoff Barrow (que fue una especie de chico de los recados de Massive Attack durante la grabación de "Blue Lines"),y que era un obseso de del hip hop de la vieja escuela, encontró en el guitarrista Adrian Utley y en la cantante Beth Gibbons las piezas que faltaban para completar su proyecto."

PORTISHEAD - DUMMY(1994)

Se trata del primer disco del grupo cuyas intenciones según afirmaba el propio Geoff Barrow eran las de “ser tan ásperos y rudos como el hip hop, tan musicales como Ennio Morricone y tan emocionales como Billie Holiday”. Estos propósitos se materializan en "Dummy", una abrumadora combinación de vanguardia formal y fuerza emocional en busca de una realidad alternativa donde la vida sea intensa, cruda. Así, Beth Gibbons (Arriba en la foto) aprovecha la intensidad instrumental como plataforma para reflexiones crudas y trágicas sobre lo jodido del amor, sin una sola concesión a la felicidad, a la ironía o el sarcasmo.
De esta manera, la propia Beth Gibbons afirmaba que “no quiero hacer canciones de tres minutos sin sustancia, sino canciones que llegue a significar algo para la gente; al revés que la mayoría. Si deseas hacer canciones que se pinchen en clubes, y con las que la gente se sienta bien y olvide sus problemas, me parece perfecto. Pero yo no busco esa clase de música”. Me atrevería a decir que lo consiguieron con creces y como muestra de ello valgan como muestra algunos de los espléndidos temas incluidos en este imprescindible disco (al igual que el resto de los realizados por los de Bristol) como “Roads”, “Sour times” ,”Misterons”…y un largo etcétera.

PORTISHEAD - PORTISHEAD (1997)

No menos emotivo y representativo de su ambición fue Portishead, proyecto que Geoff Barrow tardó tres años en terminar tras sufrir una crisis de creatividad después del inesperado éxito obtenido con Dummy . Así, este disco supusó el regreso del grupo, cuando ya nadie parecía interesado en su sonido (el pop ya había aprehendido sus conquistas y el trip hop se había convertido en la banda sonora de todo bar de diseño),
Por lo que el eco del disco fue escaso. Esto sucedió pese a los muchos momentos inspirados que contenía, a mi modo de ver incluso superando a su álbum de debut.
Especialmente destacables son temas como “Cowboys”, “only you”, “all mine”, “over” o “Half day closing” (en homenaje a The United States of America).

PORTISHEAD - ROSELAND NYC. PORTISHEAD LIVE (1998)

Increíble este directo recogido por la banda de Bristol en el Roseland Ballroom de Nueva York, acompañados por la Orquesta Sinfónica de Manhattan y por Andy Smith (DJ que acompañaba a la banda en sus directos); en el que es a mi modo de ver el mejor disco grabado por un grupo de música acompañado por una orquesta de todos los tiempos. Además, este álbum nos deja ver la cruda y delicada (por momentos) voz de Beth Gibbons en todo su espléndor, al mismo tiempo, que nos ofrece un repertorio basado en sus dos discos de estudio y con una simbiosis perfecta entre grupo y orquesta sin precedentes. Disco muy imprescindible para todo amante de la música en general.

EL INICIO DE LA ERA DORADA DE KRAFTWERK

Aunque mantenían su gusto por la música concreta (portazos, cláxones, el sonido del motor) “Autobahn” supuso un evidente puntote inflexión, ya que se trata de un disco prácticamente electrónico. La canción que da nombre al disco, que ocupa toda la cara A, como respuesta premeditada a las hedonistas carreras de Beach Boys hacía esa mítica playa con olas de órdago que, indefectiblemente, se encuentra más allá de las colinas alemanas que se perfilan en la portada, pero cambiando el escapismo del éxtasis deportivo ( y sexual) por el orgullo tecnológico.
El techno, el synth pop o el electro tal y como los conocemos ahora, se formaron en su momento gracias a que la vulgar frase “conducimos, conducimos, conducimos por la autopista” (wir fahr’n fahr´n fahr’n auf der autobahn) suena en alemán bastante parecido al pletórico “fun, fun, fun” de los Beach Boys en “i get around”. Esta similitud fonética les permitió calar hondo en el mercado anglosajón y, de rebote, en gran parte del mundo con un single con sonidos que, sin ningún tipo de duda, nunca antes habían sido escuchados por tal cantidad de gente. Sonidos que pasaron al subconsciente colectivo de toda una generación, algunos de ellos artistas que dieron forma a los géneros antes citados. Con todo esto puede considerarse “Autobahn” el primero de sus muchos álbumes cruciales.