KRAFTWERK: LOS ORÍGENES DE LA ELECTRÓNICA

La importancia de una banda puede medirse en diversos ámbitos que quedarían reducidos a tres: repercusión popular, prestigio crítico y respeto por parte de otros artistas. En estas tres escalas los de Dusseldorf están en lo más alto, pero la importancia de Kraftwerk no se limita al ámbito del reconocimiento musical. Su punto fuerte es su habilidad para dotar a cada uno de sus lanzamientos de un concepto, interrelacionando no solo el sonido y la composición, sino también la imagen de la banda y el mensaje a transmitir como un todo indivisible, pero a la vez diferenciado y coherente con los postulados de discos anteriores y posteriores. Todo ello convierte a Kraftwerk en un grupo-concepto que ha dejado su huella en multitud de estratos culturales a lo largo y ancho del mundo desarrollado (especialmente destacable es el uso que Afrika Bambaataa, quien junto con Arthur Baker montó su celebre “Planet Rock” sobre la potente base que le proporcionaban “Trans-Europe Express” y “Numbers”; o el disco “El baile alemán” en el que el germano-chileno Uwe Schmidt, alias Sr.Coconut, ofrece unas demenciales a la par que magistrales versiones -cumbia, cha-cha-cha…etc-de los clásicos de Kraftwerk con sonoridades latinas y sabrosonas).
Y es que muy posiblemente Kraftwerk sea el grupo más influyente de toda la historia de la música electrónica.
Pocos artistas electrónicos han vendido más discos que Kraftwerk (cuyo nombre significa central eléctrica en alemán).

El-P "HIGH WATER"

Otro lanzamiento protagonizado por El-P en el 2002 fue “High water (Mark)” (Thirsty Ear), disco en el que el neoyorquino fue llamado para colaborar con Matthew Shipp y que supuso un nuevo intento por tender puentes entre free jazz y hip hop, constituyendo un encuentro de fuerzas musicales dispares cuyas conexiones (el latir urbano, la libertad, la búsqueda sin tregua de nuevas fórmulas …etc) saltan a la vista. No se trata de un disco de remezclas de números jazz a cargo de El-P, sino que fue El-P el que ofrecio una serie de composiciones a la banda de Matthew Shipp para que improvisara con ellas durante un día y posteriormente fue El-P el encargado de reconfigurar el resultado de aquellas jam sessions en temas estructurados. Así, el resultado final puede que incluso fuese demasiado respetuoso con los músicos de jazz, hechándose en falta tal vez un poco más de intrusismo por parte de El-P.

EL-P

El esperado debut en solitario de El-P (ex Company Flow) “Fantastic Damage” (Definitive Jux, 2002)
es un mal sueño de sonido denso y retorcido, de electrónica tóxica, voces intensas y relámpagos auditivos que van construyendo un mapa de rabia y sombras del Apocalipsis. Y es que el neoyorquino continúa desarrollando un hip hop de vanguardia como en sus anteriores producciones para Caníbal Ox.
La fábrica sonora de El-P asienta sus cimientos en dos proyectiles de ritmos gordos y lúgubres que retrotraen a los creados en su día por The Bomb Squad para Public Enemy (“Deep space 9mm” y Dead disnee”).Y es que “Fantastic Damage” es lo más parecido a una pesadilla gótica que se ha acercado el hip hop desde el “Fear of a Black Planet” de Public Enemy. Así, con una fórmula densa y anti-relax (con muros de sonido, disonancias…), exhibiendo su calidad para crear sonido; imaginando el horror en estructuras semielectrónicas que se retuercen, dibujando un futuro gris y oxidado, fomentando la vanguardia y crispando los nervios. Hay que escucharle con el estómago.
Se trata de un álbum que escribe su nombre junto a los elegidos del hip hop a los que habrá que referirse a partir de ahora.

DJ RUPTURE: TERRORISMO DESDE LOS PLATOS

Los tiempos en que los dj’s se dividían e buenos o malos, o carismáticos y sosos, o en imaginativos previsibles han pasado a mejor vida. Ahora existe una nueva generación de dj’s que se saltan a la torera todas las convenciones y convierten sus sesiones en campos de batalla donde se fraguan apasionantes combates sonoros: DJ Aï, Glimmer Twins…pero sobre todo DJ Rupture. Y es que en los últimos años y con discos como “Minesweeper suite” o “Gold teeth Thief”, Jace Clayton se ha ido labrando un prestigio de dj rebelde e iconoclasta que sus apabullantes sesiones no han hecho más que confirmar.
Y es que si existe un dj del que no se puede decir eso tan manido de que simplemente pone un disco detrás de otro, ese es DJ Rupture (como pudimos comprobar los asistentes a su último y único recital del de Boston en Galicia, en el festival IFI en Pontevedra en el 2004, donde dio muestras de un terrorismo musical en los platos que dejo asombrados a propios y extraños, ¡cómo para no asombrarse¡.

DJ RUPTURE - SUS OBRAS + RECIENTES

Y es que con álbumes como “Minesweeper suite” (Tigerbeat6, 2002) hace un ejercicio de lucha contra contra el capitalismo y los excesos del mundo global, mediante el choque de culturas, mucho más violento y expeditivo que el típico popurri de pachanga de norte y sur, oriente y occidente. Con un pie en el breakcore ( ruido político de baja fidelidad) y otro en el hip hop; este bostoniano afincado en Barcelona desde hace unos años mezcla a tres platos con asombrosa velocidad y desarrolla una sesión donde la música del magreb convive con el gabber, y el reggae con el glitchcore; de Aaliyah a Rotator y de Eiterherd a Cul de Sac: extrema izquierda con más veneno que una viuda negra.
Su reciente “Special gunpowder” (Tigerbeat6, 2005) recoge temas de producción propia no alcanza el nivel de su suite del dragaminas, excepto en algunos cortes como “Leech Wisdom”, “Bonechip” o “Taqasim”.

QBERT EN CAPITOL (SANTIAGO)

Para finalizar, y con algo de retraso (aunque se le perdona esto y mucho más) salió al escenario de Capitol entre el alborozo y griterio popular (no era para menos).
Así con pertrechado con un único plato Vestax (que el propio Qbert popularizó), el de San Francisco, comenzó a demostrar por que fue ganador del World DMC (la más importante competició de dj’s que existe en la actualidad) durante tres años consecutivos hasta que se retiró de este concurso. Con una técnica increíble (los que alguna vez lo hayan visto, lo sabran) fue desarrollando un repertorio en el que tuvieron cabida hip hop, drum ‘n’ bass …y sobre todo un carro de buenos scratches . Especialmente celebrado por el público fue el tema Rock it de Grandmaster Flash & Herbie Hancock.
Así, durante algo más de una hora y media (y la verdad no hacía falta más) Qbert demostró el porque esta en altares del hip hop (allí donde muy pocos pueden verdaderamente estar por pleno derecho en la actualidad, como DJ Shadow, DJ Krush, DJ Vadim, DJ Rupture…y unos pocos más).
Al final de su actuación prometió a un entregado público que regresaría por estas tierras, ojala sea verdad. Todos los elogios para este MUSICO (si, con mayúsculas) de origen filipino (comunidad ésta entre la que es un verdadero referente e ídolo) son pocos. Vino, vio y venció.

DEL TRIP HOP AL DOWNTEMPO

"La forma en que te categorizan tiene que ver con el momento en que apareces y los términos de moda por entonces. Un grupo que entre 1995 y 1996 se hubiera considerado trip hop , se llamaría hoy downtempo”

Ollie Teeba (miembro de THE HERBALISER, en “Loops.Una historia de la música electrónica”,Ed.Grijalbo,2002

Pero muchos periodistas se aferraron al término downtempo mucho antes de que el hip hop psicodélico de antaño cediera al embate de ritmos y cadencias todavía más flotantes
Downtempo eran los collages de Mo'Wax y Ninja Tune, la serie Freezone de Dj Morpheus (SSR); los volúmenes de Terranova, Rockers Hi-fi y para DJ Kicks (!K7), cualquier sonido de ritmo arrastrado y narcotizado, cuyo componente ambiental resultara más adecuado para los sillones de un local que para las pistas de baile; cualquier clase de electrónica lenta cuya escucha conlleve un placer razonable.
Tras el fulgurante éxito del trip hop desarrollado por Massive Attack o Portishead, en Europa comenzaron a proliferar grupos y sellos que giraban en torno a estos beats lánguidos. Además, la fiebre por esta música pausada se contagió allende de los mares; y así Thievery Corporation se pusieron a la cabeza del downtempo en USA desarrollando un downtempo marcadamente dub con discos como “Sounds from the thievery hi-fi” o “the mirror conspirancy”. Bien es cierto que no llegaron a alcanzar el nivel (exceptuando su mix-cd para la serie DJ KICKS del sello !K7) de los grupos que en Europa surgieron al amparo de los nuevos sellos surgidos en la segunda mitad de los noventa: Source (Francia), G-stone (Austria), SSR(Bélgica) o !K7 y Compost (Alemania) entre otros.
Así, en Berlín los alemanes Terranova con la lección bien aprendida de Massive Attack, Soul 2 Soul y Stereo Mc's, se afrentaron en las profundidades oscuras del sonido para dar vida a su “Open the door”, que marcaría un antes y un después en cuanto al trip hop de arte y ensayo.
Los alquimistas sónicos que fundaron la fiebre del downtempo, a diferencia de los cultivadores del trip hop, ponían más interés en la ciencia del bajo que en la del beat; y las músicas “exóticas” se dejan sentir en sus maneras.
La pauta marcada por los sellos Compost y G-stone, fue imitada por otros sellos europeos a finales de los noventa. De entre los artistas incluidos en Compost cabe destacar a Bernd Kunz (A Forest Mighty Black), que concentrado en un downtempo de texturas húmedas y sonidos de la jungla, terminaría por definir con ribetes jazz en los discos “High hopes/Tides”(1996) y “Mellowdramatic”(1997)."

NO ES ORO TODO LO QUE RELUCE: DEL DOWNTEMPO A LA ELECTRÓNICA PARA CAFETERÍAS

Peter Kruder & Richard Dorfmeister parieron con sus “K & D sessions” (!K7, 1998) una nueva gallina de los huevos de oro, en lo que a la búsqueda de lo etéreo en la electrónica se refiere. Sin duda nunca podrán compararse con ellos los excesos que produjo la caída del trip hop y los que se subieron al carro del downtempo sin argumentos y sin aportar todo nuevo (amen de grupos que partiendo del acid jazz, el funk o el soul han intentado sacar su correspondiente tajada, véase Moorcheba, St.Germain, Moby…etc).
Antes de concluir el siglo, los franceses Air (músicos con formación clásica) publicaron “Moon Safari” (1998) donde crearon en un clima de edulcorado onirismo alguna de la música más exitosa que nunca se haya escuchado en cuanto a pop electrónico se refiere.
Aunque sus posteriores publicaciones como “10000Hz legend” se hayan esforzado en echar por tierra su buena reputación forjada en sus discos “Premiers Symptomes” y “Moon Safari”.
Así, a su algo dudosa estela, varias parejas de productores trataron de sacar tajada sin aventurarse demasiado: Bent, Zero7, Royksopp…..y un largo etcétera; juegan con el revisionismo y el futurismo eludiendo la inventiva.

DJ SPOOKY

En Nueva York se comenzó a tratar el ambient desde perspectivas convergentes que dieron vía libre a una interpretación del sonido que Dj Spooky (este es el alias de Paul D. Miller) llamó “illbient”. Así, como el propio Spooky explicaba “el illbient puede estar relacionado con cualquier cosa. No puede ser exactamente lo mismo que Aphex Twin o Techno Animal porque ese es material europeo, y el mío busca una especie de texto abierto en el que las ideas sobre la música y cultura sean panhumanística. Mi música está en la tradición de Grandmaster Flash e Iannis Xenakis, de Sun Ra y Ornette Coleman, de la cibernética y de científicos afroamericano como Garret A. Morgan. Para mi la ciencia y el arte son maneras de tender puentes, y el iilbient es un cruce de caminos. Sirve para explorar el mundo. Quizá resulte extraño que una música así salga en Estados Unidos, donde tenemos cosas como George Bush, pero en fin….” (en “Loops.Una historia de la música electrónica”, Ed.Grijalbo, 2002).
Así, la obra de Dj Spooky es una música cargada de concepto, interesada en la construcción del ruido, la tradición afrofuturista y la de “innovadores del sonido “ como “Arvo Part, Phillip Glass, Toru Takemitsu, Wagner, Duke Ellington, Kurt Weill…esos son mis héroes: la pasión que les unía era la de dejar atrás todas las normas” (proseguía relatando), pero a la vez consciente de que todo es aplicable a la cultura de club y ser accesible sin perder un ápice de reto de futuro.

DJ SPOOKY : DEFINIENDO EL ILLBIENT

El illbient es una colisión entre ambient tóxico, el cut-up del hip hop y de bajos gordos dub que conectaba, veinte años después de Kool Herc, Jamaica con Nueva York.
El término illbient lo acuñó el propio Spooky (al que le gusta denominar su estilo como “dialéctica de la entropía”, es deci, la práctica del desorden sonoro. Sin embargo, DJ Spooky no tiene el monopolio de este género; y desde 1995, una comunidad de artistas articulado alrededor de dos sellos básicos para el género (como son Ashphodel y Wordsound) y que en la actualidad se puede seguir en el hip hop futurista de Caníbal Ox (El-P), Anti Pop Consortium o Mike Ladd.
Spooky (alias “that subliminal kid”) obtuvo éxito commercial (y entre la crítica especializada) con “Songs for a dead dreamer” en 1996. A este le seguiría “rhythm warfare” en 1998, que sirvió como importante piedra de toque para este genero conocido como illbient.

MOLASSES EN SONORA 05

Los primeros en subir al escenario fueron los canadienses de MOLASSES, proyecto formado por 7 músicos pertenecientes al colectivo musical Alien8 (del que también forman parte grupos como Godspeed You! Black Emperor o Shalabi Effect).
Su actuación de apenas cuarenta minutos se vio empañada por la como mínimo terrible acústica del recinto (una especie de sótano de hormigón, amplio eso sí, pero que no debería acoger eventos musicales de este tipo). Así, a duras penas dejaron entrever pequeñas pinceladas del lirismo sonoro que atesoran y dejar la sensación de que tal vez en otras circunstancias hubieran protagonizado una de las mejores actuaciones vistas por aquí en los últimos tiempos.

THALIA ZEDEK EN SONORA 05

Luego fue el momento de THALIA ZEDEK (ex - COME) cuyo inicio de actuación sufrió de los mismos males que deslucieron la actuación de MOLASSES, aunque durante el discurrir del concierto se fueron mejorando los problemas de sonido. Su actuación también breve y deslucida por el sonido, dejo muestras de un enérgico Folk-rock (sino recordar el vendaval final protagonizado por el bateria y que puso fin a la actuación) que la caracteriza y que la ha llevado a ser considerada una de las grandes representantes de este genero en norteamerica desde hace ya un buen puñado de años.

THE GIFT EN SONORA 05

A continuación, y para cerrar el festival, subieron al escenario los portugueses THE GIFT, uno de los grupos que ofrece un mayor bagaje de los procedentes del país vecino (iniciaron su andadura en 1994) y no defraudaron con un repertorio claramente influenciado por el sonido de Bristol y en una suerte de trip hop con predominio de sonidos de cuerdas y que
recorda a grupos británicos como ALPHA o los finlandeses KEMOPETROL. Una propuesta muy agradable y accesible que tuvo una buena acogida entre los asistentes.

Para finalizar solo destacar que esperemos que el festival siga teniendo lugar en años venideros y que se elija un emplazamiento adecuado para conciertos de música y no esa especie de garage-sótano en que tuvo lugar en esta ocasión.
SONORA 05

HOOD EN SONORA 05

Para concluir salieron al escenario los británicos HOOD (considerados por algunos como el relevo sonoro de sus compatriotas RADIOHEAD), aunque con su último disco “outside closer “ (2005) parecen haberse subido al carro del hip hop experimental (propio de gente como Why!, Themselves, Sole o Alias; del sello Anticon). Sin embargo, en su actuación no dejaron ver este giro al hip hop experimental y se limitaron a desarrollar un repertorio que se apoyó (bajo mi punto de vista, en demasía en unos pregrabados que además sonaban bastante enlatados) y con escasa calidad de sonido (lo que fue una constante en todos los conciertos). Con un cierto parecido, en algunos pasajes a unos Radiohead con demasiadas guitarras, poco a poco su actuación fue ganando enteros gracias a un repertorio basado en su disco "cold house" (2001) y con grandes temas como "the lost you" o "fading hills" y desarrollando un enérgico post-rock, que en algunos momentos se aproximó a la indietrónica. Así, su actuación, la más esperada por el público asistente (que en su mayoria acogió con algarabía ) no respondió a la aureola que acompaña, ya desde hace tiempo, a esta banda británica (como así apunta parte de la crítica). Así que, en otra ocasión tendrán que verdaderamente demostrar si son ciertos los halagos (las comparaciones que realiza parte de la crítica musical, a mi me lo parecen) referidos a este grupo o si simplemente son otro nuevo grupo que se sube (o los suben) al carro del rock independiente de las islas.

ARMADILLO EN SONORA 05

El segundo tuvieron lugar las actuaciones de ARMADILLO y THE GIFT (Arriba en la foto). Abrieron los vigueses ARMADILLO que desenvolvieron un repertorio basado en un hip hop mestizo e influenciado por el hip hop abstracto propio de sellos norteamericanos como Anticon. Los vigueses dejaron una buena imagen entre el público asistente y con ganas de escuchar su primer disco que parece ser vera la luz a finales de año.

DEL TRIP HOP A LA SAMPLEDELIA

No es difícil trazar un nexo entre “Blue Lines” de Massive Attack y la sampledelia de muchos artistas de Mo´Wax, sellos significativos que odiaron el término (trip hop) pero que se enriquecieron gracias a incidir en la edición de grupos que se ajustaban a la estética del mismo.
Cuando el acid jazz se debatía entre arcadas de muerte James Lavelle decidió cambiar de tercio y lanzarse a la edición de beats en clave claramente psicodélica. Convencido de que su música poco tenía que ver con eso del trip hop se puso en marcha para convertir su sello en la marca de referencia de los amantes del hip hop menos políticamente correcto. Así, las compilaciones “Headz” y las series de 12 pulgadas bautizadas con el nombre de “Excursions” son verdaderas enciclopedias del género que no rehúyen amplitud de miras: caben desde Autechre a Roni Size en un muestrario de altísima calidad. Por otra parte, con la captación del estadounidense Dj Shadow y el japonés Dj Krush; Lavelle no solo demostro su valía como cazatalentos sino también que eso del hip hop de vanguardia no era patrimonio exclusivo de Gran Bretaña.

KRUDER & DORFMEISTER: LOS REYES DEL DOWNTEMPO

Desde el sello G-stone, uno de los más influyentes de nuestra época, se revisitaba el dub que había servido de inspiración a Massive Attack, otogándole una nuevo aspecto.
Esta autoridad dentro de la electrónica se debe a las labores de producción de sus dueños, los austríacos Peter Kruder y Richard Dorfmeister, una rara muestra de estrellas del downtempo que, además de armario, pueden fardar de seso. Uno astros de la experimentación dub, sin miedo a declararse influidos por Brian Eno, el blues o la ciencia del beat del hip hop neoyorquino, pero con pruebas para demostrar que no van de palo. Y es cualquier producción en la que intervengan estos dos genios de la electrónica se convierte en una demostración sin igual de buen gusto, clase y sobre todo de grandiosa música electrónica. Una inmejorable muestra de ello son sus “K & D Sessions” (1998,!K7), que constituyen un ejemplo de la remezcla elevada a la categoría de arte en estado puro, recogidas en un doble álbum sin parangón. Este disco (más que imprescindible) está constituido por una serie de remezclas de diversos artistas (Roni Size, Depeche Mode, Rockers Hi-Fi, Bomb the Bass, Lamb…y un largo etcétera) a cada cual mejor. Y es que todos los calificativos se quedan cortos para definir esta obra maestra de la música electrónica contemporánea y que constituye a mi modo de ver uno de los mejores discos de electrónica de todos los tiempos.

De gran nivel también, pero inferior en lo musical, es su “Dj Kicks”(!K7); mix-cd en el que los austriacos ofrecen un sonido más directo y con una menor labor de producción. Pese a ello, este álbum en que repasan temas de The Herbaliser, Thievery Corporation, Hardfloor y también alguno propio (entre otros), constituye uno de los mejores discos de está prestigiosa (y siempre garantía de calidad) serie que es DJ Kicks del sello alemán !K7.

Y es que cualquier cosa que toquen estos dos austriacos se convierte inmediatamente en una demostración de buen hacer y buen gusto. Ocurre lo mismo con sus directos, los que hemos tenido el privilegio de ver a al menos alguno de estos dos excepcionales músicos hemos constatado que no solo son increíbles en estudio, sino también en directo.

También muy reseñable es el proyecto de Richard Dorfmeister en solitario (con la colaboración de Rupert Huber): Tosca. Con un sonido similar al de las producciones de Kruder & Dorfmeister aunque con un punto más atmosférico y calmado, si cabe.
Así, son muy dignos de mención sus discos “Suzuki” y “Ópera” ambos para su sello G-stone.

KRAFTWERK - LOS ÚLTIMOS COLETAZOS

Tras este aparecería en 1991 el álbum recopilatorio de autoremezclas “The mix”, realizando su correspondiente y siempre espectacular gira.
Después de éste hubo que esperar muchos años para encontrar un lanzamiento protagonizado por los alemanes, en concreto hasta 1999 cuando elaboraron un maxi para la Expo de Hannover titulado “Expo2000” y con un nivel musical muy bajo para lo que solían acostumbrar. Recientemente, también revisitaron su maxi “Tour de France” realizando una gira con una puesta en escena como siempre enorme.
A día de hoy, solo cabe esperar que Ralf y Florian editen nuevos temas; ya que, si algún día quieren volver, volverán (y al menos a mi me cabe la esperanza de que lo hagan por todo lo alto).

KRAFTWERK - EL DECLIVE

Quizá su carácter profético quede plenamente demostrado por el hecho de que una vez la revolución tecnológica quedó consolidada, el papel de Kraftwerk tendió a ser menos necesario y su figura se vio superada en lo musical por aquellos a los que habían servido de inspiración.
Un último coletazo reseñable fue el maxi “Tour de France” (1983), en homenaje a la célebre carrera ciclista; si bien posteriormente bloquearon la publicación del álbum “Technopop”. Así, con la excusa de actualizar su sonido y los equipos (en aquella época ya comenzaban a aparecer competidores de elevadísimo nivel, y es que por esas fechas aparecieron los maxis de New Order “Blue Monday”(el single más vendido en toda la historia) y “Confusion” con los que los de Manchester apuntaban a ese cetro de la electrónica que Kraftwerk habían detentado durante muchos años).
Finalmente, el proyecto se retraso hasta 1986, año en el apareció “Electric Café”, muy avanzado en lo visual pero inferior en lo musical (en relación a sus anteriores producciones).

KRAFTWERK - COMPUTER WORLD

En “Computer World” (1981) predominó una actitud de romanticismo tecnológico, sus cuerpos desaparecieron de la carpeta y se sustituyeron por sus robots-clones. Los robots debían tomar su lugar en sus agotadoras giras a las que su éxito les obligaba. Por primera vez en su trayectoria se tomaron algo más de tiempo para la elaboración de su disco (en parte porque por primera vez tenían que afrontar una competencia sólida, el ritmo mecanizado empezaba a aplicarse a la música disco estadounidense; por lo que, se andaban con sumo cuidado). Esta precaución sembró dudas y ralentizó el proceso editorial del grupo, lo que a la larga determinó la salida de Schult, Bartos y Flür. Sin embargo, esta precaución dio un buen resultado, ya que “Computer World” es uno de sus mejores discos al complementar la fórmula de “The man machine” con humor, (“It’s more fun to compute”, “pocket calculador” y “Home Computer”, contundencia rítmica (“Numbers”) y advertencias sobre los peligros de la tecnología.
Este fue su canto de cisne, ya que, tras ocho años corriendo delante del futuro, este finalmente les alcanzó.