davids

Para finalizar, y con algo de retraso (aunque se le perdona esto y mucho más) salió al escenario de Capitol entre el alborozo y griterio popular (no era para menos).
Así con pertrechado con un único plato Vestax (que el propio Qbert popularizó), el de San Francisco, comenzó a demostrar por que fue ganador del World DMC (la más importante competició de dj’s que existe en la actualidad) durante tres años consecutivos hasta que se retiró de este concurso. Con una técnica increíble (los que alguna vez lo hayan visto, lo sabran) fue desarrollando un repertorio en el que tuvieron cabida hip hop, drum ‘n’ bass …y sobre todo un carro de buenos scratches . Especialmente celebrado por el público fue el tema Rock it de Grandmaster Flash & Herbie Hancock.
Así, durante algo más de una hora y media (y la verdad no hacía falta más) Qbert demostró el porque esta en altares del hip hop (allí donde muy pocos pueden verdaderamente estar por pleno derecho en la actualidad, como DJ Shadow, DJ Krush, DJ Vadim, DJ Rupture…y unos pocos más).
Al final de su actuación prometió a un entregado público que regresaría por estas tierras, ojala sea verdad. Todos los elogios para este MUSICO (si, con mayúsculas) de origen filipino (comunidad ésta entre la que es un verdadero referente e ídolo) son pocos. Vino, vio y venció.

Etiquetas: QBERT

Con The Wild Bunch sound system británico (de cuya disgregación surgieron nombres como Massive Attack, Tricky o Nelle Hooper) empezó a hablarse de un hip hop esencialmente británico, emotivo, que finalmente conocido como TRIP HOP.
La primera obra maestra del género fue Blue Lines de Massive Attack, al que luego sucedieron el pop siniestro de Portishead, los discos de Tricky en solitario (miembro original de Massive Attack), o grupos como los también británicos Alpha.
La historia oficial dice que el fue la etiqueta que Andy Pemberton empleó en 1994 en la revista Mixmag para designar “una nueva clase de hip hop”, “una mezcla de beats contoneantes, bajos gordos y sonidos propios del acid house”. Para sus detractores, ese hip hop no era nuevo, sino que remitía al impresionismo de pioneros de N.Y. como Grandmaster Flash o Steinski & Mass Media; o a la existencia de “beats & pieces” de Coldcut, “beat dis” de Bomb the bass.
En estos antecedentes ya estaban presentes el impresionismo, el esteticismo y la cinemática: principios todos ellos del trip hop.
La principal referencia geográfica del trip hop es Bristol (pequeña localidad británica, industrial, y que cuenta con una importante colonia jamaicana, su pasado como puerto del comercio de esclavos fue determinante en su mestizaje, y así, abunda la población negra y la de origen italiano, griego o irlandés). Esta mezcla de razas origino la clásica tipología sonora de Bristol, que Mark Stewart (de The Pop Group, en “Loops .Una historia de la música electrónica”) remite al comienzo de los ochenta: “Era una ciudad donde todos los guetos se unían. Ibamos a fiestas de reggae blues, a eventos de punk industrial y a jams de hip hop”. Precisamente, la influencia del hip hop ( no sólo como sonido sino también como subcultura de actitud, arte y baile), unida a la tradición lugareña de funk en sintonía punk y a una notable atracción por las bandas sonoras clásicas y la electrónica “gaseosa”, derivó en un sonido esencialmente bristoliano: el trip hop.
Así pues, el ya mencionado soundsystem The Wild Bunch (conformado por Dj Milo, Nellee Hooper, Willie Wee y por los futuros miembros de Massive Attack: Daddy G, Mushroom y Robert Del Naja “3D”) está en la base de esta historia. Se dieron a conocer desde la cabina del club Dug Out y, partiendo del hip hop, inician una mezcla sensual y fluida, oscura, densa como el humo de la marihuana que fuman sin cesar. Posteriormente, se separarían pero antes dejarían dos maxis y en la cara b de uno de ellos se encierra la receta: una versión de “the look of love” de Burt Bacharach, saturada de beats de hip hop. Es el trip hop, y desde Portishead, pasando por Roni Size, Tricky, Goldie, Smith & Mighty, DJ Krust o Shara Nelson (colaboradora de Massive Attack), los artistas locales se lanzan a reproducir una cadencia ininteligible.

Más suave, atmosférico y melódico que "Blue Lines", Protection fue producido junto a su amigo y antiguo excompañero en The Wild Bunch, Nellee Hooper. Fue un disco entre frío y sensitivo (en las voces invitadas como Tracey Horn de Everything but the Girl o Nicolette; además de los ya clásicos colaboradores como Horace Andy en la versión de “Light my fire” de The Doors, en directo). Si bien, la crítica no fue muy receptiva con la nueva sutileza del grupo, se trata de un disco que incluye algunos grandes temas como “Three” o “Spying Glass” (con Horace Andy a la voz).

Etiquetas: MASSIVEATTACK

Este disco está conformado por una serie de remezclas dub de temas incluidos en Protection a cargo de Mad Professor ( productor jamaicano, que se mudó a Londres en 1979, donde fundó su primer estudio llamado Ariwa. En 1980 apareció su primer álbum, Dub Me Crazy Pt.1 que fue el primer disco de dub hecho fuera de Jamaica con éxito, y el primero de una extensa serie de doce volúmenes. Posteriormente, colaboraría con gente como el multiinstrumentista británico Jah Shaka). El disco se compone de las ya mencionadas remezclas dub a cargo de Mad Professor, en tanto que, la producción corrió a cargo de Nellee Hooper y Massive Attack. El disco nos ofrece una nueva y en algunos casos mejorada versión de temas ya conocidos del grupo, destacando especialmente temas como “Radiation ruling the nation” (basada en “Protection”) o “Trinity dub” (realizada a partir de “Three”). Este álbum, es probablemente el que ofrece un sonido más alejado del trip hop de todos los publicados por los de Bristol, pero no por ello deja de ser de escucha obligada.

Etiquetas: MASSIVE, ATTACK

Se trata del disco que suscitó una mayor discordía entre crítica yseguidores del grupo al ofrecer un repertorio espeso, denso y saturado de guitarras; que por otra parte también los acerco en gran medida al gran público. Bajo mi punto de vista se trata del mejor disco de Massive Attack (hasta el día de hoy), con un sonido inquietante y que por momentos genera cierto desasosiego; pero a la vez ofrecen un sonido cálido, envolvente y con unas letras muy destacables. Así, el disco es una sucesión de hits como “Angel”, “Teardrop”, “Risingson” o “Inertia creeps”. Para mi, una de las obras clave en el mundo de la electrónica en los últimos 10 años.

Etiquetas: MASSIVEATTACK, MEZZANINE

Tras Mezzanine se produjo el abandonó del grupo de Mushroom y Daddy G, por lo que Massive Attack quedaba reducido a la persona de Robert Del Naja (3D) que en conjunción con el productor Neil Davidge escribió y produjo este disco; que además cuenta como invitados con Sinead O’Connor (enorme en “Special cases”) y Horace Andy. Se trata de un disco que prosigue la línea de sonido iniciada con Mezzanine basada en sonido oscuro, lúgubre, pero a la vez cálido. Se trata de un disco en el que encontramos un gran número de referencias a la marihuana, sustancia que según reconocía el propio Daddy G había contribuido a hermanar a la juventud de Bristol. Este disco fue definido por 3D como un “gran disconarcótico” cuyas voces espectrales e hipnóticas contribuyen en su opinión a “adormecer el sistema nervioso”. Así, 3D invoca al dios rasta en canciones como “A prayer for england” -“Jah, perdónanos por olvidar, y ayúdanos. Necesitamos amarte más”, o pide “más narcosis dulce. Colocado te encontraré” en “Antistar”.
El disco tuvo una traslación al directo con un espectacular montaje con grandes pantallas que mostraban datos sobre empresas, la delincuencia, el hambre el mundo, el armamento militar o sobre la guerra de Irak (como pudimos comprobar los asistentes al grandioso concierto que Massive Attack dieron el verano pasado en Santiago con su formación de gala: 3D, Horace Andy, Shara Nelson, Daddy G….).
También, conviene resaltar su más reciente publicación, la banda sonora de la película “Danny the dog”.
Ahora, sólo queda esperar que el grupo se reúna de nuevo al completo y continúen ofreciéndonos discos de tan alto nivel como lo han hecho hasta.

Etiquetas: MASSIVEATTACK

Se trata del primer disco del grupo cuyas intenciones según afirmaba el propio Geoff Barrow eran las de “ser tan ásperos y rudos como el hip hop, tan musicales como Ennio Morricone y tan emocionales como Billie Holiday”. Estos propósitos se materializan en "Dummy", una abrumadora combinación de vanguardia formal y fuerza emocional en busca de una realidad alternativa donde la vida sea intensa, cruda. Así, Beth Gibbons (Arriba en la foto) aprovecha la intensidad instrumental como plataforma para reflexiones crudas y trágicas sobre lo jodido del amor, sin una sola concesión a la felicidad, a la ironía o el sarcasmo.
De esta manera, la propia Beth Gibbons afirmaba que “no quiero hacer canciones de tres minutos sin sustancia, sino canciones que llegue a significar algo para la gente; al revés que la mayoría. Si deseas hacer canciones que se pinchen en clubes, y con las que la gente se sienta bien y olvide sus problemas, me parece perfecto. Pero yo no busco esa clase de música”. Me atrevería a decir que lo consiguieron con creces y como muestra de ello valgan como muestra algunos de los espléndidos temas incluidos en este imprescindible disco (al igual que el resto de los realizados por los de Bristol) como “Roads”, “Sour times” ,”Misterons”…y un largo etcétera.

Etiquetas: PORTISHEAD

BETH GIBBONS
& RUSTIN MAN “Out of season” (2002)

Este álbum representa el inicio de la carrera de Beth Gibbons en solitario y posiblemente un nuevo paso atrás de cara al retorno de unos Portishead que llevan ya unos años sin dar señales de vida. Acompañada por Paul Webb (ex Talk Talk) y con la colaboración de Adrian Utley (ex compañero? en Portishead), este precioso disco, melancólico, inspirador y oscuro a partes iguales supone un importante debut para Beth gibbons, que con su intensa e hiriente voz inunda la mayoría de los cortes de este álbum semiacústico. Escuchar este disco le plantea a uno la duda acerca de la conveniencia del regreso de Portishead.

Tricky“¿Cómo puedo estar seguro? ¿en un mundo…que está cambiando continuamente?

TRICKY, “Aftermath”

Una de las voces características de Massive Attack, Adrian Thaws, poseyó la música de los noventa con su particular visión del trip hop. Tricky dio la verdadera medida de sus ambiciones con "Maxinquaye" (1995), una pesadilla sonora que reconstruía (con referencias a The Specials, Eric B & Rakim o Public Enemy (de los que versionea su “Black Steel”) y el post-punk artístico de Japan o Peter Gabriel) las miserias y dudas existenciales de un idealista poseído por el demonio de la mala hierba. Así, el propio declaraba a The Face: “voy a los clubes y veo a gente que está perdida;espiritualmente, psicológicamente….Estan perdidos y lo peor es que ni siquiera lo saben. Al menos yo sé que estoy perdido. Lo que intentó con mis letras es encontrarme a mi mismo”.
El disco es a la vez una sucesión de notas biográficas y una imagen de la crisis de identidad de la humanidad en los noventa. En el disco se advierten remembranzas del sonido de Massive Attack e incluso de Portishead (especialmente cuando la voz de Martina Topley Bird se aproxima al lado más sexy de la decadencia). Si bien, lo que separa a Tricky de sus colegas de Bristol es el tenebrismo y los reventones de violencia, que de aquí en adelante se superpondrían a la melodía.
A continuación publicó "Pre-millenium Tension" (1996), una pesadilla gris donde beats imperfectos y acongojantes se codeaban con violentos speeches en un viaje por las entrañas de una metropolis y una generación sin ninguna salida posible.
Otras obras destacables publicadas con posterioridad son "Angels with dirty faces" (1998) o su disco con DJ Muggs. Para olvidar su más reciente Blowback (2001) con colaboraciones de Alanis Morissette o Cindy Lauper y que lo acercan a una vertiente mainstream del todo deleznable.

En contra de lo que pudiera parecer el hip hop abstracto de Bristol no se redujo a la tripleta de oro compuesta por Massive Attack, Portishead y Tricky. Una muestra de ello son la múltiples referencias de dos de los sellos locales como son Melankolic y Cup of tea. Así, dentro de Melankolic (sello creado por los miembros de Massive Attack para la difusión de músicos cercanos a ellos) destacan formaciones como Alpha, de entre cuya producción destacan los álbumes “Come from heaven”, “The imposible thrill” o “Pepper”(disco de remezclas, perpetradas por gente como Tim Simenon o More Rockers). Así, estos reinventaron el sonido de Massive Attack en términos propios; liderados por Andy Jenks y Corin Dingley, y con Helen White y Wendy Stubbs a las voces. También cabe señalar la publicación por parte de este sello del recopilatorio "Skylarking" de Horace Andy (Arriba en la foto) o una de sus más recientes propuestas como son Day One.
El sello Cup of tea corrió peor suerte y tras contar con algunos éxitos como el álbum de Statik Sound System "Tempesta", quisó después desmarcarse del trip hop entrado en decadencia desde 1998 (aproximadamente) y apostaron por propuestas como el drum ‘n’ bass o el hip hop, pero estos esfuerzos por sobrevivir no fueron suficientes.

Etiquetas: triphop, alpha

"La forma en que te categorizan tiene que ver con el momento en que apareces y los términos de moda por entonces. Un grupo que entre 1995 y 1996 se hubiera considerado trip hop , se llamaría hoy downtempo”

Ollie Teeba (miembro de THE HERBALISER, en “Loops.Una historia de la música electrónica”,Ed.Grijalbo,2002

Pero muchos periodistas se aferraron al término downtempo mucho antes de que el hip hop psicodélico de antaño cediera al embate de ritmos y cadencias todavía más flotantes
Downtempo eran los collages de Mo'Wax y Ninja Tune, la serie Freezone de Dj Morpheus (SSR); los volúmenes de Terranova, Rockers Hi-fi y para DJ Kicks (!K7), cualquier sonido de ritmo arrastrado y narcotizado, cuyo componente ambiental resultara más adecuado para los sillones de un local que para las pistas de baile; cualquier clase de electrónica lenta cuya escucha conlleve un placer razonable.
Tras el fulgurante éxito del trip hop desarrollado por Massive Attack o Portishead, en Europa comenzaron a proliferar grupos y sellos que giraban en torno a estos beats lánguidos. Además, la fiebre por esta música pausada se contagió allende de los mares; y así Thievery Corporation se pusieron a la cabeza del downtempo en USA desarrollando un downtempo marcadamente dub con discos como “Sounds from the thievery hi-fi” o “the mirror conspirancy”. Bien es cierto que no llegaron a alcanzar el nivel (exceptuando su mix-cd para la serie DJ KICKS del sello !K7) de los grupos que en Europa surgieron al amparo de los nuevos sellos surgidos en la segunda mitad de los noventa: Source (Francia), G-stone (Austria), SSR(Bélgica) o !K7 y Compost (Alemania) entre otros.
Así, en Berlín los alemanes Terranova con la lección bien aprendida de Massive Attack, Soul 2 Soul y Stereo Mc's, se afrentaron en las profundidades oscuras del sonido para dar vida a su “Open the door”, que marcaría un antes y un después en cuanto al trip hop de arte y ensayo.
Los alquimistas sónicos que fundaron la fiebre del downtempo, a diferencia de los cultivadores del trip hop, ponían más interés en la ciencia del bajo que en la del beat; y las músicas “exóticas” se dejan sentir en sus maneras.
La pauta marcada por los sellos Compost y G-stone, fue imitada por otros sellos europeos a finales de los noventa. De entre los artistas incluidos en Compost cabe destacar a Bernd Kunz (A Forest Mighty Black), que concentrado en un downtempo de texturas húmedas y sonidos de la jungla, terminaría por definir con ribetes jazz en los discos “High hopes/Tides”(1996) y “Mellowdramatic”(1997)."

Desde el sello G-stone, uno de los más influyentes de nuestra época, se revisitaba el dub que había servido de inspiración a Massive Attack, otogándole una nuevo aspecto.
Esta autoridad dentro de la electrónica se debe a las labores de producción de sus dueños, los austríacos Peter Kruder y Richard Dorfmeister, una rara muestra de estrellas del downtempo que, además de armario, pueden fardar de seso. Uno astros de la experimentación dub, sin miedo a declararse influidos por Brian Eno, el blues o la ciencia del beat del hip hop neoyorquino, pero con pruebas para demostrar que no van de palo. Y es cualquier producción en la que intervengan estos dos genios de la electrónica se convierte en una demostración sin igual de buen gusto, clase y sobre todo de grandiosa música electrónica. Una inmejorable muestra de ello son sus “K & D Sessions” (1998,!K7), que constituyen un ejemplo de la remezcla elevada a la categoría de arte en estado puro, recogidas en un doble álbum sin parangón. Este disco (más que imprescindible) está constituido por una serie de remezclas de diversos artistas (Roni Size, Depeche Mode, Rockers Hi-Fi, Bomb the Bass, Lamb…y un largo etcétera) a cada cual mejor. Y es que todos los calificativos se quedan cortos para definir esta obra maestra de la música electrónica contemporánea y que constituye a mi modo de ver uno de los mejores discos de electrónica de todos los tiempos.

De gran nivel también, pero inferior en lo musical, es su “Dj Kicks”(!K7); mix-cd en el que los austriacos ofrecen un sonido más directo y con una menor labor de producción. Pese a ello, este álbum en que repasan temas de The Herbaliser, Thievery Corporation, Hardfloor y también alguno propio (entre otros), constituye uno de los mejores discos de está prestigiosa (y siempre garantía de calidad) serie que es DJ Kicks del sello alemán !K7.

Y es que cualquier cosa que toquen estos dos austriacos se convierte inmediatamente en una demostración de buen hacer y buen gusto. Ocurre lo mismo con sus directos, los que hemos tenido el privilegio de ver a al menos alguno de estos dos excepcionales músicos hemos constatado que no solo son increíbles en estudio, sino también en directo.

También muy reseñable es el proyecto de Richard Dorfmeister en solitario (con la colaboración de Rupert Huber): Tosca. Con un sonido similar al de las producciones de Kruder & Dorfmeister aunque con un punto más atmosférico y calmado, si cabe.
Así, son muy dignos de mención sus discos “Suzuki” y “Ópera” ambos para su sello G-stone.

Etiquetas: KRUDER, DORFMEISTER

Fan decidido de Double Dee & Steinski (su primer corte “lesson 4” era un obvio tributo a los pioneros “lesson mixes” del duo de Nueva York), Josh Davis alias DJ Shadow inició su leyenda con el doce pulgadas “In-Flux”, cuya edición eleó la popularidad y la reputación de hasta cotas insospechadas y estratosféricas. Este corte tenía una base claramente hip hop, pero tambíen incluía elementos divergentes: spoken word, sonidos del este y mucha cuerda; todo en doce sagrados minutos que trascendían su origen de la coste oeste (máximo exponente de hip hop mafioso) para habitar un nuevo universo propio. La creatividad de sus dos maxis siguientes “Lost and found” y “What does your soul look like?”: el primero tomando aire del “Brown Eyes” de Fleetwood Mac y el segundo robando un drumbeat al “Sunday Bloody Sunday” de U2; le convirtieron en el objetivo de todas las miradas.
Desligado de la violencia rap de su entorno más cercano (más centrado en el verbo que en las formas) , el californiano intentó aunar el hip hop y la melancolía, aproximándose al género desde una perspectiva similar a la de Geoff Barrow, así el propio Josh Davis declaraba a The Wire: “No puedo negar que me atrae, como en los libros, el cine y la pintura, una especie de realidad alternativa, y no puedes expresar eso a menos que haya una expresión en la música y en tu manera de escoger los samples”.
En 1996 saldría al mercado “Endtroducing”, disco que permanecerá visible desde la lejanía como un hallazgo de fuerza, actitud y creación, inerme al paso del tiempo y a las modas, como emblema de una insólita visión del mundo. “Endtroducing” es un ejercicio de sampledelia, compuesto a partir de samples que según el mismo Dj Shadow relata en el documental “Scratch” (de imprescindible visionado para los amantes del hip hop en alguna de sus vertientes o de todas) proceden del sótano de una tienda de discos al que DJ Shadow tiene acceso como trato de favor por parte de sus dueños (que también se ve en el documental) donde se acumulan miles y miles de discos de artistas que en su momento no obtuvieron reconocimiento alguno. “Endtroducing” es una obra maestra atemporal con temazos como “Organ Donor” o “High noon”, en el que los samples se suceden creando una atmósfera oscura, densa en algunos momentos y cristalina y delicada en otras.
A “Endtroducing” le seguiría “The Private Press” (2002) (cuyo título procede del nombre que recibían en USA las compañías que manufacturaban discos por encargo y de forma artesanal), álbum en el que a pesar de repetir la misma e inigualable fórmula de “Endtroducing” (sigue los votos sampledélicos asumidos por el propio Josh Davis de no tocar con instrumentos aquello que pueda ser sampleado) no llega al nivel de este.
Además de en sus propios trabajos encontramos colaboraciones de éste con otros artistas, como en el disco vs. Cut Chemist “Brainfreeze” en el que se repasan temas del propio DJ Shadow y que constituye también un testimonio imprescindible para el hip hop contemporáneo. Otro proyecto en el que participa DJ Shadow junto al jefe de Mo' Wax (James Lavelle) es U.N.K.L.E. aunque estos ya son otra historia y pese que se deja notar la mano de Davis en los turntables no alcanzan el nivel musical de sus discos en solitario (“Psience Fiction” (1998) es su referencia más destacable).

DJ Krush, fue la segunda gran revelación del sello Mo' Wax en cuestión de hip hop abstracto, si bien DJ Krush ya se había hecho notar con anterioridad con su primer disco “Krush” al mezclar dub, jazz y rock. Su debut con Mo' Wax fue “Strictly Turntablized” en 1994 con el que no reincidió en el arrebato rítmico, repitió con el jazz y se aproximo a la ralentización sublime del hip hop (excelente esa pedazo de tema que es “Kemuri”). A este le siguieron “Meiso” y “Milight” tal vez un poco más flojos de lo que nos tiene acostumbrados el nipón. Tras ellos aparecería “Kakusei” entre lo calmado y lo acrobático, y “Zen” en el que materializa la depuración del beat hacia la canción. Así, Krush siguió con su prolifica producción con álbumes tan destacables como los magníficos “Back in the base” (posiblemente su mejor disco), “Code 4109” o “Shinsou” todos ellos ejemplos de hip hop abstracto y ambiental del mejor nivel. Además en sus sesiones pese a saber todo el mundo cuales son las debilidades del nipón, sorprenden porque éste siempre es capaz de aplicar una vuelta de tuerca más a su colección de grandes discos e ir un poco más allá.
En este mes (mayo) estará en el Primavera Sound en Barcelona (motivo más que suficiente para acercarse allí).

Pasaron nueve largos años desde esta etapa tan exitosa y para que Stereo Mc's volvieran a los oídos de todo el mundo, ubicándose como uno de los regresos más esperados de la electrónica.
Durante este periodo publicaron un mix-cd para la serie dj kicks del sello alemán !K7, en el que hacen un percorrido por el hip hop de ayer y hoy con temas propios y de gente como The Troubleneck brothers, Ultramagnetis¡c dj’s, The Herbaliser o Freakniks, en el que supone uno de los mejores discos de esta prestigiosa y muy recomendable serie.
En 2001 se produjo el tan ansiado regreso de con “Deep, down & dirty” con 12 temas grabados en su propio estudio de Brixton en el que el grupo continúa desarrollando ese sonido que lo ha caracterizado desde sus inicios a base de hip hop, con reminiscencias funk y con una importante presencia electrónica. A destecar los cortes “Sofisticated”, “Deep, down & dirty” o “running”
El último lanzamiento protagonizado por los londinenses ha sido el recopilatorio “Retroactive”(2002)en el que hacen un recorrido por su extensa y destacable trayectoria.
Larga vida a los Stereo Mc's.

Etiquetas: STEREOMCS

La antena de este ruso (Vadim Peare) está en permanente alerta a la caza de todo lo que se mueva, y por eso sus discos desde “USSR-Life from the other side” (1999, Ninja Tune) adopten un tono internacionalista y contrario a la ortodoxia que ayuda a abrir la mente más que un cursillo de yoga.
Su arte se basa en crear beats secos y chispeantes, con un componente emocional en cada golpe; y el nuestro el de escuchar la colección de voces llamadas a engrandecer cada uno de sus viajes por el lado concreto del hip hop.
Y si antaño acudió, aquí y allá para los flows, en “USSR-The art of listening” (2002, Ninja Tune), de momento su obra cumbre, lo reparte entre el underground estadounidense (Gift of gab, Motion Man) y el británico (Killa Kela, Phil Life Cypher) en una forma envidiable.

Etiquetas: DJVADIM

En su más reciente edición “Optometry” (Thirsty Ear, 2002) desarrolla un profundo ejercicio de análisis en el que quiso llegar a la raíz del problema que le atormenta: ¿hay futuro para el jazz o va en camino de ser música muerta?; y constituye el barrido electrónico más inteligente sobre el jazz electrónico en años.
“Optometry” es lo más cercano a un masaje cardíaco que el arte de Miles Davis haya recibido en mucho tiempo. Aliado con el pianista de free-jazz Matthew Shipp y su banda, Spooky usa todos sus conocimientos en illbient, electroacústica y hip hop para integrarlos en un discurso que podría etiquetarse como nu bop o jazztrónica.
Posteriormente saldría a la venta “Dubtometry” (2003, Thirsty Ear) que es un disco de remezclas claramente dub producidas por el propio Spooky, y a cargo de Mad Professor, J-Live y Lee Scratch Perry, entre otros, ofreciendo una interesantísima y distinta visión de ese gran disco que es “Optometry”.

Etiquetas: DJSPOOKY

El esperado debut en solitario de El-P (ex Company Flow) “Fantastic Damage” (Definitive Jux, 2002)
es un mal sueño de sonido denso y retorcido, de electrónica tóxica, voces intensas y relámpagos auditivos que van construyendo un mapa de rabia y sombras del Apocalipsis. Y es que el neoyorquino continúa desarrollando un hip hop de vanguardia como en sus anteriores producciones para Caníbal Ox.
La fábrica sonora de El-P asienta sus cimientos en dos proyectiles de ritmos gordos y lúgubres que retrotraen a los creados en su día por The Bomb Squad para Public Enemy (“Deep space 9mm” y Dead disnee”).Y es que “Fantastic Damage” es lo más parecido a una pesadilla gótica que se ha acercado el hip hop desde el “Fear of a Black Planet” de Public Enemy. Así, con una fórmula densa y anti-relax (con muros de sonido, disonancias…), exhibiendo su calidad para crear sonido; imaginando el horror en estructuras semielectrónicas que se retuercen, dibujando un futuro gris y oxidado, fomentando la vanguardia y crispando los nervios. Hay que escucharle con el estómago.
Se trata de un álbum que escribe su nombre junto a los elegidos del hip hop a los que habrá que referirse a partir de ahora.

Etiquetas: ELP

A continuación, y para cerrar el festival, subieron al escenario los portugueses THE GIFT, uno de los grupos que ofrece un mayor bagaje de los procedentes del país vecino (iniciaron su andadura en 1994) y no defraudaron con un repertorio claramente influenciado por el sonido de Bristol y en una suerte de trip hop con predominio de sonidos de cuerdas y que
recorda a grupos británicos como ALPHA o los finlandeses KEMOPETROL. Una propuesta muy agradable y accesible que tuvo una buena acogida entre los asistentes.

Para finalizar solo destacar que esperemos que el festival siga teniendo lugar en años venideros y que se elija un emplazamiento adecuado para conciertos de música y no esa especie de garage-sótano en que tuvo lugar en esta ocasión.
SONORA 05

Etiquetas: THEGIFT

Tras este aparecería en 1991 el álbum recopilatorio de autoremezclas “The mix”, realizando su correspondiente y siempre espectacular gira.
Después de éste hubo que esperar muchos años para encontrar un lanzamiento protagonizado por los alemanes, en concreto hasta 1999 cuando elaboraron un maxi para la Expo de Hannover titulado “Expo2000” y con un nivel musical muy bajo para lo que solían acostumbrar. Recientemente, también revisitaron su maxi “Tour de France” realizando una gira con una puesta en escena como siempre enorme.
A día de hoy, solo cabe esperar que Ralf y Florian editen nuevos temas; ya que, si algún día quieren volver, volverán (y al menos a mi me cabe la esperanza de que lo hagan por todo lo alto).

Etiquetas: KRAFTWERK

Quizá su carácter profético quede plenamente demostrado por el hecho de que una vez la revolución tecnológica quedó consolidada, el papel de Kraftwerk tendió a ser menos necesario y su figura se vio superada en lo musical por aquellos a los que habían servido de inspiración.
Un último coletazo reseñable fue el maxi “Tour de France” (1983), en homenaje a la célebre carrera ciclista; si bien posteriormente bloquearon la publicación del álbum “Technopop”. Así, con la excusa de actualizar su sonido y los equipos (en aquella época ya comenzaban a aparecer competidores de elevadísimo nivel, y es que por esas fechas aparecieron los maxis de New Order “Blue Monday”(el single más vendido en toda la historia) y “Confusion” con los que los de Manchester apuntaban a ese cetro de la electrónica que Kraftwerk habían detentado durante muchos años).
Finalmente, el proyecto se retraso hasta 1986, año en el apareció “Electric Café”, muy avanzado en lo visual pero inferior en lo musical (en relación a sus anteriores producciones).

Etiquetas: KRAFTWERK

En “Computer World” (1981) predominó una actitud de romanticismo tecnológico, sus cuerpos desaparecieron de la carpeta y se sustituyeron por sus robots-clones. Los robots debían tomar su lugar en sus agotadoras giras a las que su éxito les obligaba. Por primera vez en su trayectoria se tomaron algo más de tiempo para la elaboración de su disco (en parte porque por primera vez tenían que afrontar una competencia sólida, el ritmo mecanizado empezaba a aplicarse a la música disco estadounidense; por lo que, se andaban con sumo cuidado). Esta precaución sembró dudas y ralentizó el proceso editorial del grupo, lo que a la larga determinó la salida de Schult, Bartos y Flür. Sin embargo, esta precaución dio un buen resultado, ya que “Computer World” es uno de sus mejores discos al complementar la fórmula de “The man machine” con humor, (“It’s more fun to compute”, “pocket calculador” y “Home Computer”, contundencia rítmica (“Numbers”) y advertencias sobre los peligros de la tecnología.
Este fue su canto de cisne, ya que, tras ocho años corriendo delante del futuro, este finalmente les alcanzó.

Etiquetas: KRAFTWERK

La perfecta conjunción entre hombre y máquina es el leitmotiv de este disco y, a su vez su mejor descripción: nunca antes, y pocas veces después, la accesibilidad pop y la experimentación electrónica se unieron con tanta firmeza como en “The man machine” (1978). Cualquier compositor soñaría con hacer un disco como éste, que contuviera canciones como “The robots”, “Neon lights” o “The model”. Esta última llegó a ser número uno en listas de singles británica en 1982 (en una reedición como cara B de “Computer love”).
El proceso de destilación musical había llegado a su fin: desde entonces ya no cabía mejorar la fórmula, solo afinar en la ejecución.
La portada en la que se ve a los cuatro miembros del grupo en fila y de perfil, mirando al cielo (a imitación del constructivista ruso El Lissitzky) es un prodigio de simplicidad y de referencias de principios de siglo: se citaba a los constructivistas rusos que predicaron el futurismo y se uniformizó la expresión de los individuos buscando su asimilación con los robots, las máquinas que han de servir al ser humano. Hacían así gala de una estética de antaño, y puesto que el propio Hutter llegó a decir que los años treinta no habían existido en Alemania (Hitler llegó al poder en 1933), ellos se proponían revivirlos.

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En “Trans-Europe Express” (1977) el concepto en torno al cual gira el disco sigue estando relacionado con las comunicaciones, pero en este caso se trata de las comunicaciones por ferrocarril (cuyo cadencioso devenir se reflejó en la base y la letra del largo tema que da nombre al disco, un largo viaje de París a Viena y vuelta a Dusseldorf, con la frase “de estación en estación/de vuelta a Dusseldorf/conocer a Iggy Pop y David Bowie”). Además, esta referencia a los famosos enlaza con el otro tema del disco, la imagen pública y la fama (preocupaciones éstas que quedan recogidas en el tema “The hall of mirrors” y en “Showroom dummies” , donde los maniquíes, hartos de estar expuestos al escrutinio público, cobran vida, rompen el cristal y se van a bailar.
En este momento la popularidad del grupo posibilitó que su influencia fuera enorme, y así, por ejemplo; desde los guetos estadounidenses se fabricó el electro sobre “Trans-Europe Express”.

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Con “Radioactivity” (1975) se producen importantes cambios en la estructura del grupo, encontramos un importante aumento de la participación de Schult en el grupo al canalizar en la imagen y en las cada vez más trabajadas letras el ansia conceptual del grupo, del que salió Roeder y entró Kart Bartos para tocar la percusión electrónica; y para completar así la formación clásica y más duradera de la banda.
En este disco aprovecharon el doble sentido de “radioactividad” para realizar una doble lectura sobre el poder comunicativo de las ondas hertzianas y el poder de la radiación atómica. Grabado ya en sus propios estudios Kling Klang y con la mayoría de los temas cantados (en alemán e ingles), se puede decir que “Radioactivity” es el primer álbum de pop electrónico de la historia. El disco incluye temas que han pasado ya a la historia de la música como “Radioactivity” y otros muy notables como “Antenna”.

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Aunque mantenían su gusto por la música concreta (portazos, cláxones, el sonido del motor) “Autobahn” supuso un evidente puntote inflexión, ya que se trata de un disco prácticamente electrónico. La canción que da nombre al disco, que ocupa toda la cara A, como respuesta premeditada a las hedonistas carreras de Beach Boys hacía esa mítica playa con olas de órdago que, indefectiblemente, se encuentra más allá de las colinas alemanas que se perfilan en la portada, pero cambiando el escapismo del éxtasis deportivo ( y sexual) por el orgullo tecnológico.
El techno, el synth pop o el electro tal y como los conocemos ahora, se formaron en su momento gracias a que la vulgar frase “conducimos, conducimos, conducimos por la autopista” (wir fahr’n fahr´n fahr’n auf der autobahn) suena en alemán bastante parecido al pletórico “fun, fun, fun” de los Beach Boys en “i get around”. Esta similitud fonética les permitió calar hondo en el mercado anglosajón y, de rebote, en gran parte del mundo con un single con sonidos que, sin ningún tipo de duda, nunca antes habían sido escuchados por tal cantidad de gente. Sonidos que pasaron al subconsciente colectivo de toda una generación, algunos de ellos artistas que dieron forma a los géneros antes citados. Con todo esto puede considerarse “Autobahn” el primero de sus muchos álbumes cruciales.

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Procedentes de familias acomodadas Ralf Hutter (teclados) y Florian Schneider (flauta) se conocieron en la Academie de Bellas Artes de Remschield, coincidiendo posteriormente en un curso de música en Dusseldorf y desde entonces no se separaron.
Rebosantes de ideas y ávidos de nuevas experiencias se aliaron con el batería Klaus Dinger (que abandonaría rápidamente el grupo para formar parte de Neu!) desarrollando una mezcla de rock psicodélico con música concreta y manipulación de cintas a lo Stockhausen. Fruto de ello aparecerían los primeros trabajos de Kraftwerk: “Kraftwerk”(1971), “Kraftwerk 2”(1972) y “Ralf & Florian”(1973); si bien estos han caído en el olvido al no volver a ser reeditados desde su publicación.

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La importancia de una banda puede medirse en diversos ámbitos que quedarían reducidos a tres: repercusión popular, prestigio crítico y respeto por parte de otros artistas. En estas tres escalas los de Dusseldorf están en lo más alto, pero la importancia de Kraftwerk no se limita al ámbito del reconocimiento musical. Su punto fuerte es su habilidad para dotar a cada uno de sus lanzamientos de un concepto, interrelacionando no solo el sonido y la composición, sino también la imagen de la banda y el mensaje a transmitir como un todo indivisible, pero a la vez diferenciado y coherente con los postulados de discos anteriores y posteriores. Todo ello convierte a Kraftwerk en un grupo-concepto que ha dejado su huella en multitud de estratos culturales a lo largo y ancho del mundo desarrollado (especialmente destacable es el uso que Afrika Bambaataa, quien junto con Arthur Baker montó su celebre “Planet Rock” sobre la potente base que le proporcionaban “Trans-Europe Express” y “Numbers”; o el disco “El baile alemán” en el que el germano-chileno Uwe Schmidt, alias Sr.Coconut, ofrece unas demenciales a la par que magistrales versiones -cumbia, cha-cha-cha…etc-de los clásicos de Kraftwerk con sonoridades latinas y sabrosonas).
Y es que muy posiblemente Kraftwerk sea el grupo más influyente de toda la historia de la música electrónica.
Pocos artistas electrónicos han vendido más discos que Kraftwerk (cuyo nombre significa central eléctrica en alemán).

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Una de las bandas más exitosas de hip hop que ha surgido de Inglaterra es Stereo Mc's, formados en Londres en 1985, cuando el rapero Rob B. (Rob Birch es su nombre real) y el productor y DJ “The Head” (Nick Hallam) crearon su propio sello discográfico llamado Gee Street para poder distribuir su propia música. Gee Street firmó rápidamente un acuerdo con el sello Broadway, y fue así como los Stereo Mc's empezaron alanzar una serie de sencillos hasta que por fin su álbum “33-45-78” vio la luz en 1989.
Tras la salida de uno de los componentes originales de la banda (Cesare), el grupo quedó conformado por Rob B, The Head, el bateria Owen If y Cath Coffey en la voz .
Stereo Mc's lanzó “Elevate my mind” (1990), que fue el primer sencillo británico de hip hop en entrar en las listas de éxitos estadounidenses.
Después de lanzar su álbum “Supernatural” (uno de sus mejores discos) salieron de gira con The Happy Mondays y EMF para posteriormente grabar su exitoso álbum “Connected” (1992) grabado con instrumentos en vivo y sin hacer uso de samplers. Este disco contiene alguno de los grandes clásicos del grupo como “Step it up”, “Creation”, “Ground level” o “Connected”.

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Los tiempos en que los dj’s se dividían e buenos o malos, o carismáticos y sosos, o en imaginativos previsibles han pasado a mejor vida. Ahora existe una nueva generación de dj’s que se saltan a la torera todas las convenciones y convierten sus sesiones en campos de batalla donde se fraguan apasionantes combates sonoros: DJ Aï, Glimmer Twins…pero sobre todo DJ Rupture. Y es que en los últimos años y con discos como “Minesweeper suite” o “Gold teeth Thief”, Jace Clayton se ha ido labrando un prestigio de dj rebelde e iconoclasta que sus apabullantes sesiones no han hecho más que confirmar.
Y es que si existe un dj del que no se puede decir eso tan manido de que simplemente pone un disco detrás de otro, ese es DJ Rupture (como pudimos comprobar los asistentes a su último y único recital del de Boston en Galicia, en el festival IFI en Pontevedra en el 2004, donde dio muestras de un terrorismo musical en los platos que dejo asombrados a propios y extraños, ¡cómo para no asombrarse¡.

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La explosión del sonido Bristol llegó, con la desintegración de Wild Bunch. El equipo se separó en 1987, dando pie a la decisión de Mushroom, 3D y Daddy G de formar un nuevo proyecto, Massive Attack. La colisión entre reggae y hip hop sirvió al grupo como base rítmica para explorar las conexiones entre blancos y negros, violencia y tristeza, vida real e imaginaria. Y con la perspectiva del tiempo , es obligado apreciar "Blue Lines" (1991) como una obra maestra; con sus letras poéticas y melodías gloriosas en un paisaje de hip hop lacónico, jazz y soul orquestales, hirientes y angustia exhalada. La parte vocal fue encomendada a Horace Andy (leyenda de la música jamaicana, ver su magnífico recopilatorio Skylarking para el sello de Bristol, Melankolic), Tricky (que posteriormente forjaría su propia leyenda con sus discos en solitario) y Shara Nelson (que con su voz profunda inundaba, los que a modo de ver son los mejores cortes del disco “Unfinished Sympathy”, “Safe from Harm” y “Daydreaming” ).

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"No tengo a nadie a mi lado,
y de verdad que no está bien,
y de verdad que no está bien”

Portishead, “Roads”

Portishead(cuyo nombre procede del de la pequeña localidad inglesa del mismo nombre, próxima a Bristol, y donde nació Geoff Barrow) , es sin duda, otro de los grandes mitos salildos de Bristol; el proyecto liderado por Geoff Barrow y Beth Gibbons conjugó trip hop con pop clásico a través de scores y jazz turbulento para explorar las posibilidades emocionales de la electrónica. Directo y turbio, el sonido de Portishead posee un vigor, una calidez que lo hacen parecer de otra era.
Geoff Barrow (que fue una especie de chico de los recados de Massive Attack durante la grabación de "Blue Lines"),y que era un obseso de del hip hop de la vieja escuela, encontró en el guitarrista Adrian Utley y en la cantante Beth Gibbons las piezas que faltaban para completar su proyecto."

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No menos emotivo y representativo de su ambición fue Portishead, proyecto que Geoff Barrow tardó tres años en terminar tras sufrir una crisis de creatividad después del inesperado éxito obtenido con Dummy . Así, este disco supusó el regreso del grupo, cuando ya nadie parecía interesado en su sonido (el pop ya había aprehendido sus conquistas y el trip hop se había convertido en la banda sonora de todo bar de diseño),
Por lo que el eco del disco fue escaso. Esto sucedió pese a los muchos momentos inspirados que contenía, a mi modo de ver incluso superando a su álbum de debut.
Especialmente destacables son temas como “Cowboys”, “only you”, “all mine”, “over” o “Half day closing” (en homenaje a The United States of America).

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Increíble este directo recogido por la banda de Bristol en el Roseland Ballroom de Nueva York, acompañados por la Orquesta Sinfónica de Manhattan y por Andy Smith (DJ que acompañaba a la banda en sus directos); en el que es a mi modo de ver el mejor disco grabado por un grupo de música acompañado por una orquesta de todos los tiempos. Además, este álbum nos deja ver la cruda y delicada (por momentos) voz de Beth Gibbons en todo su espléndor, al mismo tiempo, que nos ofrece un repertorio basado en sus dos discos de estudio y con una simbiosis perfecta entre grupo y orquesta sin precedentes. Disco muy imprescindible para todo amante de la música en general.

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No es difícil trazar un nexo entre “Blue Lines” de Massive Attack y la sampledelia de muchos artistas de Mo´Wax, sellos significativos que odiaron el término (trip hop) pero que se enriquecieron gracias a incidir en la edición de grupos que se ajustaban a la estética del mismo.
Cuando el acid jazz se debatía entre arcadas de muerte James Lavelle decidió cambiar de tercio y lanzarse a la edición de beats en clave claramente psicodélica. Convencido de que su música poco tenía que ver con eso del trip hop se puso en marcha para convertir su sello en la marca de referencia de los amantes del hip hop menos políticamente correcto. Así, las compilaciones “Headz” y las series de 12 pulgadas bautizadas con el nombre de “Excursions” son verdaderas enciclopedias del género que no rehúyen amplitud de miras: caben desde Autechre a Roni Size en un muestrario de altísima calidad. Por otra parte, con la captación del estadounidense Dj Shadow y el japonés Dj Krush; Lavelle no solo demostro su valía como cazatalentos sino también que eso del hip hop de vanguardia no era patrimonio exclusivo de Gran Bretaña.

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El segundo tuvieron lugar las actuaciones de ARMADILLO y THE GIFT (Arriba en la foto). Abrieron los vigueses ARMADILLO que desenvolvieron un repertorio basado en un hip hop mestizo e influenciado por el hip hop abstracto propio de sellos norteamericanos como Anticon. Los vigueses dejaron una buena imagen entre el público asistente y con ganas de escuchar su primer disco que parece ser vera la luz a finales de año.

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Para concluir salieron al escenario los británicos HOOD (considerados por algunos como el relevo sonoro de sus compatriotas RADIOHEAD), aunque con su último disco “outside closer “ (2005) parecen haberse subido al carro del hip hop experimental (propio de gente como Why!, Themselves, Sole o Alias; del sello Anticon). Sin embargo, en su actuación no dejaron ver este giro al hip hop experimental y se limitaron a desarrollar un repertorio que se apoyó (bajo mi punto de vista, en demasía en unos pregrabados que además sonaban bastante enlatados) y con escasa calidad de sonido (lo que fue una constante en todos los conciertos). Con un cierto parecido, en algunos pasajes a unos Radiohead con demasiadas guitarras, poco a poco su actuación fue ganando enteros gracias a un repertorio basado en su disco "cold house" (2001) y con grandes temas como "the lost you" o "fading hills" y desarrollando un enérgico post-rock, que en algunos momentos se aproximó a la indietrónica. Así, su actuación, la más esperada por el público asistente (que en su mayoria acogió con algarabía ) no respondió a la aureola que acompaña, ya desde hace tiempo, a esta banda británica (como así apunta parte de la crítica). Así que, en otra ocasión tendrán que verdaderamente demostrar si son ciertos los halagos (las comparaciones que realiza parte de la crítica musical, a mi me lo parecen) referidos a este grupo o si simplemente son otro nuevo grupo que se sube (o los suben) al carro del rock independiente de las islas.

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Luego fue el momento de THALIA ZEDEK (ex - COME) cuyo inicio de actuación sufrió de los mismos males que deslucieron la actuación de MOLASSES, aunque durante el discurrir del concierto se fueron mejorando los problemas de sonido. Su actuación también breve y deslucida por el sonido, dejo muestras de un enérgico Folk-rock (sino recordar el vendaval final protagonizado por el bateria y que puso fin a la actuación) que la caracteriza y que la ha llevado a ser considerada una de las grandes representantes de este genero en norteamerica desde hace ya un buen puñado de años.

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Los primeros en subir al escenario fueron los canadienses de MOLASSES, proyecto formado por 7 músicos pertenecientes al colectivo musical Alien8 (del que también forman parte grupos como Godspeed You! Black Emperor o Shalabi Effect).
Su actuación de apenas cuarenta minutos se vio empañada por la como mínimo terrible acústica del recinto (una especie de sótano de hormigón, amplio eso sí, pero que no debería acoger eventos musicales de este tipo). Así, a duras penas dejaron entrever pequeñas pinceladas del lirismo sonoro que atesoran y dejar la sensación de que tal vez en otras circunstancias hubieran protagonizado una de las mejores actuaciones vistas por aquí en los últimos tiempos.

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El illbient es una colisión entre ambient tóxico, el cut-up del hip hop y de bajos gordos dub que conectaba, veinte años después de Kool Herc, Jamaica con Nueva York.
El término illbient lo acuñó el propio Spooky (al que le gusta denominar su estilo como “dialéctica de la entropía”, es deci, la práctica del desorden sonoro. Sin embargo, DJ Spooky no tiene el monopolio de este género; y desde 1995, una comunidad de artistas articulado alrededor de dos sellos básicos para el género (como son Ashphodel y Wordsound) y que en la actualidad se puede seguir en el hip hop futurista de Caníbal Ox (El-P), Anti Pop Consortium o Mike Ladd.
Spooky (alias “that subliminal kid”) obtuvo éxito commercial (y entre la crítica especializada) con “Songs for a dead dreamer” en 1996. A este le seguiría “rhythm warfare” en 1998, que sirvió como importante piedra de toque para este genero conocido como illbient.

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En Nueva York se comenzó a tratar el ambient desde perspectivas convergentes que dieron vía libre a una interpretación del sonido que Dj Spooky (este es el alias de Paul D. Miller) llamó “illbient”. Así, como el propio Spooky explicaba “el illbient puede estar relacionado con cualquier cosa. No puede ser exactamente lo mismo que Aphex Twin o Techno Animal porque ese es material europeo, y el mío busca una especie de texto abierto en el que las ideas sobre la música y cultura sean panhumanística. Mi música está en la tradición de Grandmaster Flash e Iannis Xenakis, de Sun Ra y Ornette Coleman, de la cibernética y de científicos afroamericano como Garret A. Morgan. Para mi la ciencia y el arte son maneras de tender puentes, y el iilbient es un cruce de caminos. Sirve para explorar el mundo. Quizá resulte extraño que una música así salga en Estados Unidos, donde tenemos cosas como George Bush, pero en fin….” (en “Loops.Una historia de la música electrónica”, Ed.Grijalbo, 2002).
Así, la obra de Dj Spooky es una música cargada de concepto, interesada en la construcción del ruido, la tradición afrofuturista y la de “innovadores del sonido “ como “Arvo Part, Phillip Glass, Toru Takemitsu, Wagner, Duke Ellington, Kurt Weill…esos son mis héroes: la pasión que les unía era la de dejar atrás todas las normas” (proseguía relatando), pero a la vez consciente de que todo es aplicable a la cultura de club y ser accesible sin perder un ápice de reto de futuro.

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Peter Kruder & Richard Dorfmeister parieron con sus “K & D sessions” (!K7, 1998) una nueva gallina de los huevos de oro, en lo que a la búsqueda de lo etéreo en la electrónica se refiere. Sin duda nunca podrán compararse con ellos los excesos que produjo la caída del trip hop y los que se subieron al carro del downtempo sin argumentos y sin aportar todo nuevo (amen de grupos que partiendo del acid jazz, el funk o el soul han intentado sacar su correspondiente tajada, véase Moorcheba, St.Germain, Moby…etc).
Antes de concluir el siglo, los franceses Air (músicos con formación clásica) publicaron “Moon Safari” (1998) donde crearon en un clima de edulcorado onirismo alguna de la música más exitosa que nunca se haya escuchado en cuanto a pop electrónico se refiere.
Aunque sus posteriores publicaciones como “10000Hz legend” se hayan esforzado en echar por tierra su buena reputación forjada en sus discos “Premiers Symptomes” y “Moon Safari”.
Así, a su algo dudosa estela, varias parejas de productores trataron de sacar tajada sin aventurarse demasiado: Bent, Zero7, Royksopp…..y un largo etcétera; juegan con el revisionismo y el futurismo eludiendo la inventiva.

Y es que con álbumes como “Minesweeper suite” (Tigerbeat6, 2002) hace un ejercicio de lucha contra contra el capitalismo y los excesos del mundo global, mediante el choque de culturas, mucho más violento y expeditivo que el típico popurri de pachanga de norte y sur, oriente y occidente. Con un pie en el breakcore ( ruido político de baja fidelidad) y otro en el hip hop; este bostoniano afincado en Barcelona desde hace unos años mezcla a tres platos con asombrosa velocidad y desarrolla una sesión donde la música del magreb convive con el gabber, y el reggae con el glitchcore; de Aaliyah a Rotator y de Eiterherd a Cul de Sac: extrema izquierda con más veneno que una viuda negra.
Su reciente “Special gunpowder” (Tigerbeat6, 2005) recoge temas de producción propia no alcanza el nivel de su suite del dragaminas, excepto en algunos cortes como “Leech Wisdom”, “Bonechip” o “Taqasim”.

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Otro lanzamiento protagonizado por El-P en el 2002 fue “High water (Mark)” (Thirsty Ear), disco en el que el neoyorquino fue llamado para colaborar con Matthew Shipp y que supuso un nuevo intento por tender puentes entre free jazz y hip hop, constituyendo un encuentro de fuerzas musicales dispares cuyas conexiones (el latir urbano, la libertad, la búsqueda sin tregua de nuevas fórmulas …etc) saltan a la vista. No se trata de un disco de remezclas de números jazz a cargo de El-P, sino que fue El-P el que ofrecio una serie de composiciones a la banda de Matthew Shipp para que improvisara con ellas durante un día y posteriormente fue El-P el encargado de reconfigurar el resultado de aquellas jam sessions en temas estructurados. Así, el resultado final puede que incluso fuese demasiado respetuoso con los músicos de jazz, hechándose en falta tal vez un poco más de intrusismo por parte de El-P.

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De los seis volúmenes grabados por los hermanos Dewaele, solo esta parte del bootleg de 2 Many Dj's vio la luz (para el resto intentar probar suerte en Internet, merece la pena). Y la raíz de los problemas para editar esta serie de bootlegs hay que buscarla en las innumerables querellas por los derechos de licencia y los elevadísimos costes de producción (tuvieron que pagar a Kylie Minogue, Destiny’s Chile, Garbage…..y un largo etcétera). Si bien, es cierto que esta experiencia ha marcado un hito en el mercado musical, ya que nunca antes nadie se había propuesto editar una sesión basada en los “mash ups”.
Como obra metamusical es un prodigio (la cultura pop y la dance unidas a la perfección), y como fiesta es la mejor que te puedes montar con tu equipo.
Y es que este disco de los Dewaele (que con su vertiente de dj’s tratar de financiar la carrera de su grupo Soulwax) constituye una celebración de la música popular donde se rinde culto a su historia y su presente prescindiendo de etiquetas, haciendo guiños humorísticos, reivindicando la horterada, ridiculizando prejuicios : se disfruta, vaya. El tratamiento de choque de los belgas destapa un espíritu hooligan y buen mal gusto muy, pero que muy notable.

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El dub nebuloso no es solo patrimonio del illbient, ya que, incluso antes del éxito comercial (y entre la crítica especializada ) del “Songs for a dead dreamer”(1996) de Dj Spooky; en Europa ya se hablaba del ambient dub, que tan bien sería desarrollado por Andrew Weatherall (productor de grupos como Primal Scream o Saint Ettiene), quien junto a Gary Burns y Jagz Kooner dio forma al grupo The Sabres of Paradise (una vía de escape para fundir sus muchas influencias en un discurso propio).
“Sabresonic” en 1993 fue su debut en donde proponían densas capas ambientales y potentes bajos que proyectaban el dub a un futuro perfecto. Luego vendría “Haunted dancehall” (1994), tras el cual The Sabres of Paradise se separarían; y Weatherall formaría junto al ingeniero de sonido Keith Tenniswood, Two Lone Swordsmen que en el 2000 publicarían “Tiny Reminders” (WARP) y que supera a cualquier trabajo anterior de Weatherall (por su conjunción de electro, breaks, clicks, pop…) y que constituye una obra verdaderamente imprescindible.Podéis obtener más información sobre estos artistas en www.thedjlist.com

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Fabric
Tras apenas cinco años desde su apertura (el pasado mes de Octubre celebró su quinto aniversario), y Fabric ya se ha convertido en el auténtico alma de la cultura de clubs londinense. Por supuesto en Londres hay clubs más trendies, pero tal vez ninguno de ellos sea capaz de capturar el espíritu de Londres como lo hace Fabric (ecléctico, mestizo e inquieto). Sus noches de los viernes (Fabriclive) y los sabados (Fabric) atraen a un público heterogéneo y diverso que ha conseguido hacer de Fabric un auténtico club de clubs. Además sus prestigiosas series recopilatorias se cuentan ya entre los grandes momentos dorados que nos ha deparado la cultura del mix-cd.
El que fue creado en 1999 (en un antiguo almacén de carne) por Keith Reilly y está situado muy cerca del Barbican Centre, junto al mercado de Smithfield. El local cuenta con tres salas (cada con una temática musical diferente) y cuenta con aforo total de 1500 personas.
En cuanto a su política de programación, como club el Fabric sólo promueve las noches de los viernes y los sabados (las entradas tiene un precio de unas 15 libras aprox.), pero el local también se abre los domingos con l club DTPM, dedicado al house o al tech-house de inspiración ibicenca. No cabe duda de que Fabric no es un club como otro cualquiera, y su deseo de ofrecer cultura es sincero; y desde luego no juegan en la misma liga que Ministry of Sound o Gatecrasher. Y es que en el Reino Unido parece que los dj’s formaran parte de un equipo de fútbol, fichando por un club u otro. Es evidente que existe una fidelidad absoluta de los dj’s , y así, los residentes del Fabric siguen siendo los mismos que tenía al principio: Ali B, James Lavelle, Terry Francis y Craig Richards. Y éstos junto a otras propuestas siempre novedosas y de gran nivel posibilitan la existencia de un público fiel y joven. Se trata de un público culto y ávido por descubrir nuevos sabores en la dance music, que no tiene inconveniente en escuchar también hip hop, downtempo o electro en la misma noche.
Y es que el Fabric es a día de hoy uno de los grandes santuarios de la música electrónica a nivel mundial, al que hay que rendir una obligatoria visita si se quiere alardear de ser un amante de la buena música electrónica.

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Fabric es uno de esos escasos ejemplos de club con ánimo didáctico. Ganar dinero es lícito, pero lo es más si además se ofrecen atractivos adicionales. Y Fabric lo hace editando su magnífica colección de discos; y sin embargo existen pocos clubs que hagan lo mismo y menos que tengan su propia discográfica. El mercado está saturado por DJ sets, algunos tan notables como DJ Kicks o Back to mine, pero casi ninguno está editado directamente por los propios club. Si hubiera que rastrear en los orígenes de la relación entre clubs y discos de DJ, habría que situarse en 1993 cuando Ministry of Sound publicó su “The sessions 1” al que luego seguirían otros volúmenes de Paul Oakenfold, Masters at Work o David Morales. Luego saldrían los mix-cds de clubs como Renaissance o Cream. En la actualidad además de Fabric, algunos ejemplos destacables de mix-cds editados por clubs son The End (End recordings), Movement, WMF club o Florida 135 (en España).
Y es que la series de mix-cds editadas por Fabric plantean de forma imaginativa una nueva forma de disfrutar de la música de baile, y son junto a “DJ kicks” (de K7) y “Solid steel” (de Ninja Tune) las mejores que se pueden encontrar en el mercado de los mix-cd. En ninguna de las dos series Fabric y Fabriclive (que corresponden respectivamente al contenido de las noches de los sabados más tech-house; y los viernes, más groovies) han repetido hasta ahora ninguno de los dj’s seleccionados.
Así, de entre la serie Fabric cabe destacar las compilaciones de Craig Richards (marcadamente ecléctica y elegante), de Terry Francis (que deja ver porque es uno de los grandes del tech-house), Radioactive Man (grande, muy grande su sesión a base de electro o un skool brekz) o la más reciente de Swayzak. Otros nombres que han firmado sesiones para esta serie son: Jon Marsh, Tony Humphries, Pure Science, Hipp-e & Halo o Slam.
En cuanto a la serie Fabriclive cabe destacar los volúmenes firmados por James Lavelle, Ali B, DJ Hype, Plumps DJs, Fabio, Howie B o el del malogrado John Peel. Casi nada para una serie de mix-cds que apenas cuenta con cuatro años de vida pero que se ha convertido al igual que Fabric en una de las referencias imprescindibles en el marco de la electrónica contemporánea.Más información y venta de discos en la web oficial www.fabriclondon.com

Etiquetas: FABRICLONDON

En contraste con la coolness de Mo'Wax, el sello de Jonathan More y Matt Black desarrolló una visión más recreativa, cálida y figurativa de la abstracción hip hop; inspirada en la noción de la creación como juego. Y como los propios Coldcut hicieran desde “Say kids (What time is it?)”, su ahijados intentaron importar a la actualidad el hip hop de la vieja escuela, aliñando el revival con dosis de funk, jazz, easy listening y bandas sonoras. Ninja Tune se convirtió en el sello de cabecera de los djs más cercanos a la mixología, gracias a la serie “Jazz brakes” que en 1990 fueron su revelación al mundo bajo el alias DJ Food; a la que seguiría otra de igual calado “Breakbeats and grooves” bajo el alias de dj Toolz.
Más estimulante todavía fue Ninja Tune a partir del noventa y cinco, cuando Coldcut se tomaron un tiempo sabático y dieron paso a pequeños clásicos como Funki Porcini, The Herbaliser o Dj Food (Coldcut más “PC”y “Strictly Kev”).
En cuanto a The Herbaliser, Ollie Teeba y Jake Wherry, se probaron como hábiles reinventores de la más pura tradición hip hop. A su segundo álbum, “Blow your headphones” algunos le achacan incluso demasiado apego a la vieja escuela . A este le seguiría “Very mercenary” que recoge las tensiones de la música de thriller que centran su discurso en un disco con hechuras de clásico y que constituye un pasaje de apasionante negrura. Posteriormente, han continuado intentando depurar su ténica en
“Wicked this way comes”.
DJ Food supusó una contribución igual de narcótica que en el caso de Herbaliser. Así, en “A recipe for disaster”(1995) conformaron un cóctel hipnótico de trip hop humeante, trip hop ambiental y trip hop acelerado que apuntaba hacía el drum ‘n’ bass y el espíritu de James Brown. Su visión de la ciencia del beat tendría luego dos brillantes manifestaciones en el ambicioso “Kaleidoscope” y en el mix-cd “Now, listen” donde mezclan vieja con nueva escuela, mezclando lo mejor de cada casa en una compulsiva sesión para el recuerdo.
Pero esta síntesis no es nada ante el recopilatorio “Xen Cuts”, colección conmemorativa del décimo aniversario del sello, finalmente abierto al beat en todas sus formas, al rap arty de USA (Mike Ladd, Blackalicious), al de la Gran Bretaña (Roots Manuva), el mejor turntablism (Kid koala, Coldcut) o el techno “rarito”(Neotropic), recibiendo con entusiasmo a todo buen espadachín del ritmo.

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“One world extinguisher” (WARP, 2003) nos ofrece la particular visión que Scott Herren aporta al hip hop (mezclando jazz, glitches, post-rock, ritmos rotos, collages sampledélicos y manipulación de voces) es de las más frescas en el interesante underground norteamericano. Y es que estaba claro que si tenía que haber un encuentro entre hip hop e IDM, éste tenía que progesar más allá de los grupos de sellos como Chocolate Industries o del “Vocal studies+uprock narratives” (2001) del propio Prefuse 73; pieza central de un género que se expande más rápido que la gripe.
Por eso este “One world extinguisher”, diario íntimo de b-boy hipersensible, futurista y abierto de miras (con mc’s pero también con apuntes Folk) ya ha alcanzado el nivel de obra maestra: por empujar su estilo a un nivel de perfección al que nadie está en condiciones de llegar todavía. Y es que, en el cinemático dscurrir de sus hábiles y elegantes composiciones abstractas, enquista codas sonoras que sumergen al oyente en un laberinto sonoro en continúa metamórfosis.

Etiquetas: PREFUSE73

En este apartado vamos a destacar algunas de las publicaciones más reseñables en lo referente a la música electrónica en el panorama nacional. Así, de entre las revistas que se publican en nuestro país la más recomendable es Dancedelux (publicación anual) que recoge lo más destacado del año en cuanto a la música electrónica. Otra revista recomendable es la Dancedelux, que si bien no se dedica exclusivamente a la música electrónica si que cubre la actualidad, los lanzamientos y los conciertos de algunos de los artistas más destacados del panorama electrónico.
Lo mismo sucede con la publicación gratuita MondoSonoro. Si bien, para obtener una cultura y un conocimiento de la historia de la música electrónica es necesario remitirse a libros como “Loops.Una historia de la música electrónica” de la Ed.Grijalbo, 2002 y coordinado por Javier Blánquez y Omar Morera (habituales colaboradores de algunas de las revistas anteriormente señaladas), que constituye una verdadera Biblia de la música electrónica y que repasa su historia desde sus inicios hasta la actualidad sumergiéndose en los diversos géneros musicales de cada momento, los principales artistas, sus discos, las raves, los mejores clubs… en fin una obra muy recomendable para cualquier aficionado a la música electrónica.

La música de baile y el hip hop han unido fuerzas para plantar cara a la tiranía del pop-rock y tomar el pulso de la nueva realidad urbana. Mike Skinner, uno de tantos jóvenes que mata el fin de semana de club en club, es hoy el nombre clave para entender cómo el hip hop británico, a través de esa providencial mutación en que se ha erigido el UK Garage, que ha dejado de ser el hermano tonto del estadounidense.
“Original pirate material” (2002) fue el debut de The Streets, y recoge el sonido de las calles de Inglaterra, el diario de un clubber que hizo carrera articulando sus reflexiones cotidianas.
Y es que Mike Skinner se ha convertido por méritos propios en la cara más popular del UK Garage, y “Original pirate material” ofrece más canciones que titulares y no ha tenido que escorar su sonido hacia el R & B norteamericano. Sólo se ha limitado a explotar con cuatro singles y múltiples conciertos el debut más excitante que ha salido de Inglaterra en los últimos ocho años. Este disco combina análisis agudos y escenas articuladas con la frescura y la agilidad de un cómic. Reflexiones y viñetas en un debut que equilibra sentido común y sentido del humor, crónica social y puro entretenimiento. Así, en sus canciones en lugar de fanfarronear, delirar o repetir lo que han dicho otros raperos, prefiere observar, ordenando sus ideas y reflexionar sobre su vida y su entorno. “Original pirate material” está pensado con la cabeza y no con la entrepierna, el bíceps o el músculo del ego. En cierto modo, lo más importante que ha aportado The Streets al UK Garage es, simplemente, sentido común. Otro elemento que destaca es la omnipresencia de la atmósfera club. El resultado, canciones como “Has it come to this?”, “Same old thing”, “Let’s push things forward” o “Weak become heroes”.
Ya en el 2004 The Streets publican su segundo disco “A grand don’t come for free” que dista mucho del nivel mostrado en su debut y solo destaca el tema homónimo del disco. Ahora sólo cabe esperar que tan sólo haya sido un tropiezo y que continúe confirmando las enormes expectativas apuntadas con su primer álbum.

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